Comicbuch - Wikipedia

In diesem Artikel geht es um Zeitschriften mit Comics. Für das Medium der Comickunst siehe Comic.

Comic-Bücher, die in einem Museum ausgestellt werden und die zeigen, wie sie in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in einem Bahnhofsgeschäft ausgestellt worden wären.

Ein gewöhnlicher Comic-Einband Format zeigt die Ausgabenummer, das Datum, den Preis und den Verlag sowie eine Abbildung und ein Cover an, das den Titel einer Geschichte enthalten kann.

Ein Comic oder Comic ^[1] auch Comic Magazine oder einfach Comic genannt, ist eine Publikation, die aus Comic-Art in Form von aufeinanderfolgenden nebeneinander angeordneten Tafeln besteht, die einzelne Szenen darstellen. Panels werden oft von kurzen beschreibenden Prosa und schriftlichen Erzählungen begleitet, die normalerweise in Wortballons enthalten sind, die die Comics-Kunstform symbolisieren. Obwohl Comics einige Wurzeln im Japan des 18. Jahrhunderts haben, wurden Comic-Bücher in den 1930er Jahren zuerst in den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich populär gemacht. Das erste moderne Comicbuch Famous Funnies wurde 1933 in den USA veröffentlicht und war ein Nachdruck früherer Zeitungshumor-Comicstrips, die viele der in Comics verwendeten Geschichtenerzählgeräte etabliert hatten. ^[2] Der Begriff Comicbuch leitet sich von amerikanischen Comicbüchern ab, die einst eine Zusammenstellung von Comicstrips eines humorvollen Tones waren; Diese Praxis wurde jedoch durch die Darstellung von Geschichten aller Genres ersetzt, die normalerweise nicht humorvoll sind.

Der größte Comic-Markt ist Japan. Bis 1995 wurde der Manga-Markt in Japan auf 586,4 Mrd. ¥ ( 6–7 Mrd. US $ ), ^[3] mit einem Jahresumsatz von 1,9 Mrd. Manga-Büchern bewertet / Zeitschriften in Japan (entspricht 15 Ausgaben pro Person). ^[4] Der Comic-Markt in den Vereinigten Staaten und Kanada wurde im Jahr 2016 mit 1,09 Mrd. USD bewertet. ^[5] As Von 2017 ^[update] ist der größte Comic-Verleger in den Vereinigten Staaten der Manga-Distributor Viz Media, gefolgt von DC Comics und Marvel Comics. ^[6] Ein weiterer bedeutender Comic-Markt ist Frankreich, wo französisch-belgische Comics und japanische Mangas vertreten sind 40% des Marktes, gefolgt von amerikanischen Comics mit 10% Marktanteil. ^[7]

Structure [ edit ]

Comics hängen von ihrer Organisation und ihrem Aussehen ab. Die Autoren konzentrieren sich weitgehend auf den Rahmen der Seite, die Größe, die Ausrichtung und die Bedienfeldpositionen. Diese charakteristischen Aspekte von Comics sind notwendig, um den Inhalt und die Botschaften des Autors zu vermitteln. Zu den Schlüsselelementen von Comic-Büchern zählen Felder, Sprechblasen, Text (Linien) und Zeichen. Ballons sind in der Regel konvexe räumliche Informationsbehälter, die sich auf ein Zeichen beziehen, das ein Schwanzelement verwendet. Der Schwanz hat einen Ursprung, einen Pfad, eine Spitze und eine spitze Richtung. Wichtige Aufgaben bei der Erstellung von Comic-Büchern sind das Schreiben, Zeichnen und Malen.

Amerikanische Comics [ edit ]

Seit dem Druck von The Adventures of Mr. Obadiah Oldbuck im Jahre 1842 gab es in Amerika Comics als Druckmedium Hardcover, ^[8] was es zum ersten bekannten amerikanischen Prototyp-Comic macht. Proto-Comics-Zeitschriften erschienen Anfang des 20. Jahrhunderts, wobei Historiker im Allgemeinen die 36-seitigen Famous Funnies: Ein Karneval der Comics von Dell Publishing als das erste echte amerikanische Comicbuch zitierten; Goulart zum Beispiel nennt es "den Grundstein für einen der lukrativsten Zweige des Zeitschriftenverlags". ^[9] Die Einführung von Jerry Siegel und Joe Shusters Superman im Jahr 1938 verwandelte Comic-Bücher in eine bedeutende Branche ^[10] und führte den Golden ein Alter der Comics. Das Goldene Zeitalter entstand aus dem Archetyp des Superhelden. Laut dem Historiker Michael A. Amundson haben attraktive Comicfiguren dazu beigetragen, die Angst der jungen Leser vor einem Atomkrieg zu lindern und die Angst vor den Fragen der Atomkraft zu neutralisieren. ^[11]

Historiker teilen die Zeitlinie im Allgemeinen auf des amerikanischen Comic-Buches in Zeiten. Das goldene Zeitalter der Comics begann in den 1930er Jahren; Dies gilt allgemein als Beginn des heute bekannten Comic-Buches. ^[12] Das Silberzeitalter der Comic-Bücher wird im Allgemeinen als Datum der ersten erfolgreichen Wiederbelebung der damals ruhenden Superheldform betrachtet, mit dem Flash-Debüt in Showcase # 4 (Okt. 1956). ^[13][14] Das Silberzeitalter dauerte bis in die späten 1960er oder frühen 1970er Jahre. In dieser Zeit revolutionierten Marvel Comics das Medium mit naturalistischen Superhelden wie Stan Lee und Jack Kirby's Fantastic Four und Lee und Steve Ditkos Spider-Man. Die Abgrenzung zwischen der Silberzeit und der nachfolgenden Epoche, der Bronzezeit der Comics, ist weniger klar definiert, wobei die Bronzezeit von den frühen 1970er bis Mitte der 1980er Jahre verlief. ^[15] Die Moderne der Comicbücher läuft von Mitte der 1980er Jahre bis heute ^[16]

Ein bemerkenswertes Ereignis in der Geschichte des amerikanischen Comicbuches kam mit der Kritik des Psychiaters Fredric Wertham an dem Medium in seinem Buch Seduction of der Innocent (1954), der den Unterausschuss für Jugendstrafrecht des amerikanischen Senats dazu veranlasste, Comic-Bücher zu untersuchen. Aufgrund der Aufmerksamkeit der Regierung und der Medien gründete die US-amerikanische Comic-Industrie die Comics Magazine Association of America. ^[17] Die CMAA führte 1954 die Comics Code Authority ein und erarbeitete in diesem Jahr den Comic-Code für die Selbstzensur Alle Comic-Bücher mussten einen Genehmigungsprozess durchlaufen. Erst in den 70er Jahren konnten Comics veröffentlicht werden, ohne die Inspektion der CMAA zu durchlaufen. ^[18] Der Kodex wurde im November 2011 formell außer Kraft gesetzt.

Underground Comic Books [ edit

In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren kam es zu einem Kreativitätsschub in dem sogenannten Underground Comix. Die meisten dieser Comics wurden unabhängig von der etablierten Comicsbranche veröffentlicht und vertrieben und spiegelten die damalige Jugendgegenkultur und Drogenkultur wider. Viele hatten einen ungehemmten, oft respektlosen Stil; Ihre aufrichtigen Darstellungen von Nacktheit, Sex, Profanität und Politik hatten außerhalb ihrer Vorläufer keine Parallele zu den pornografischen und noch obskureren "Tijuana-Bibeln". Unterirdische Comics wurden fast nie an Zeitungskiosken verkauft, sondern eher in jugendlich orientierten Filialen wie Headshops und Plattenläden sowie im Versandhandel.

Frank Stacks The Adventures of Jesus veröffentlicht unter dem Namen Foolbert Sturgeon, ^[19][20] wurde als erster Underground-Comic bezeichnet, ^[19][20] während R. Crumb und die Crew von Cartoonisten, die daran arbeiteten Zap Comix machte die Form populär.

Alternative Comics [ edit ]

Der Aufstieg von Comic-Fachgeschäften in den späten 70er Jahren führte zu einem eigenen Markt für "unabhängige" oder "alternative Comics" in den USA Zu den ersten derartigen Comics gehörten die Anthologieserie Star Reach die von 1974 bis 1979 vom Comicbuchautor Mike Friedrich veröffentlicht wurde, und Harvey Pekars American Splendor die sporadisch in das 21. Jahrhundert hinein verlegt wurden Shari Springer Berman und Robert Pulcini passten sich 2003 an. Einige unabhängige Comics setzten sich in der Tradition der Underground-Comics fort. Während ihr Inhalt im Allgemeinen weniger explizit blieb, ähnelten andere dem Format von Mainstream-Verlegern in Format und Genre, wurden jedoch von kleineren Künstlerunternehmen oder von einzelnen Künstlern veröffentlicht. Einige (vor allem RAW ) repräsentierten experimentelle Versuche, Comics dem Status der schönen Künste näher zu bringen.

In den 70er Jahren wuchs die Kultur der "kleinen Presse" und wurde vielfältiger. In den 80er Jahren hatten mehrere unabhängige Verleger - darunter Pacific, Eclipse, First, Comico und Fantagraphics - damit begonnen, eine breite Palette von Stilen und Formaten zu veröffentlichen - von Color-Superhelden, Detektiv- und Science-Fiction-Comic-Büchern bis hin zu Schwarzweiß- Weiße Magazin-Geschichten über den magischen Realismus Lateinamerikas.

In den 1990er Jahren änderte eine Reihe kleiner Verlage das Format und die Verbreitung ihrer Comics, um dem Nicht-Comic-Verlegen näher zu kommen. Die "Minicomics" -Form, eine äußerst informelle Version des Self-Publishing, entstand in den 1980er Jahren und wurde in den 1990er Jahren immer beliebter ^[21] obwohl sie ein noch geringeres Publikum als die kleine Presse erreichte.

Zu den kleinen Verlegern, die regelmäßig Titel herausbringen, gehören Avatar Comics, Hyperwerks, Raytoons und Terminal Press, die von Fortschritten in der Drucktechnologie wie Digital Print-on-Demand getragen werden.

Graphic Novels [ edit ]

Im Jahr 1964 prägte Richard Kyle den Begriff "Graphic Novel". ^{[ ]} Precursors Die Form bestand bereits in den 1920er-Jahren, in denen die belgische Frans Masereel, der amerikanische Lynd Ward (19659047) und andere, darunter Stan Lee, die mittelalterliche Holzschnitttradition wiederbelebten. Im Jahr 1950 produzierte St. John Publications den erwachsenenorientierten "Bilderroman" It Rhymes with Lust einen 128-seitigen Digest des pseudonymen Schriftstellers "Drake Waller" (Arnold Drake und Leslie Waller). , der Stifter Matt Baker und der Tintenstrahldrucker Ray Osrin, wurde als "Original-Roman in voller Länge" auf dem Cover angepriesen. Der Schriftsteller-Künstler Gil Kane und seine Mitarbeiter entwickelten 1971 den Taschenbuch-Comic-Roman Blackmark . Will Eisner machte den Begriff "Graphic Novel" populär, als er ihn 1978 auf dem Cover der Taschenbuchausgabe seiner Arbeit Ein Vertrag mit Gott und anderen Zementgeschichten verwendete.

Digitale Comics [ edit ]

Marktgröße [ edit ]

Im Jahr 2017 war der Markt für Comic-Bücher in Nordamerika gerade noch groß Digitale Verkäufe sind über 1 Milliarde US-Dollar zu verzeichnen, Buchhandlungen sind um 1 Prozent zurückgegangen, und Comic-Bücher um 10 Prozent gegenüber 2016. ^[23]

Sammeln von Comics [ edit ]

In den 1970er-Jahren kamen Comic-Fachgeschäfte auf. Anfänglich wurden Comic-Bücher von Verlagen an Kinder vermarktet, da Comic-Bücher als Kinderunterhaltung wahrgenommen wurden. Mit der zunehmenden Anerkennung von Comics als Kunstform und der wachsenden Popkultur-Präsenz von Comic-Konventionen werden sie jedoch von vielen Erwachsenen angenommen. ^[17]

Comic-Sammler sind oft lebenslange Enthusiasten die Comic-Geschichten, und sie konzentrieren sich in der Regel auf bestimmte Helden und versuchen, den gesamten Titellauf zusammenzusetzen. Comics werden mit einer fortlaufenden Nummer veröffentlicht. Die erste Ausgabe einer langen Comic-Reihe ist in der Regel die seltenste und für Sammler interessanteste. Das erste Auftreten eines bestimmten Zeichens kann jedoch in einem bereits vorhandenen Titel enthalten sein. Zum Beispiel war der erste Auftritt von Spider-Man in Amazing Fantasy # 15. Neue Charaktere wurden oft auf diese Weise eingeführt und erhielten keine eigenen Titel, bis der Held ein bewährtes Publikum hatte. Infolgedessen sind Comics mit dem ersten Auftreten eines wichtigen Charakters manchmal noch schwerer zu finden als die Nummer 1 des eigenen Titels eines Charakters.

Einige seltene Comics enthalten Kopien der unveröffentlichten Motion Picture Funnies Weekly Nr. 1 aus dem Jahr 1939. Acht Exemplare plus eine ohne Cover tauchten 1974 im Nachlass des verstorbenen Verlegers auf Exemplar "dieses Buches wurde in einer Heritage-Auktion von 2005 für 43.125 $ verkauft. ^[24]

Die wertvollsten amerikanischen Comics haben Seltenheit und Qualität mit den ersten Erscheinungen populärer und dauerhafter Charaktere kombiniert. Bis Dezember 2010 wurden vier Comic-Bücher für mehr als eine Million US-Dollar verkauft ^[update]darunter zwei Beispiele für Action Comics # 1, den ersten Auftritt von Superman ^[25][26] die beide 2010 über den Online-Händler ComicConnect.com und Detective privat verkauft wurden Comics # 27, der erste Auftritt von Batman, durch öffentliche Versteigerung.

Aktualisierung des oben genannten Preises für Action Comics # 1, der erste Auftritt von Superman, der höchste Rekord in diesem Buch ist $ 3,2 Millionen für eine 9.0-Kopie. ^{[27] [27] [27]}

Druckfehler, Werbedrucksachen für Comic-Dealer-Incentives und Ausgaben mit extrem geringer Verbreitung haben im Allgemeinen ebenfalls einen Knappheitswert. Zu den seltensten modernen Comic-Büchern zählt die Originalpresse von The League of Extraordinary Gentlemen # 5, an die sich DC-Exekutive Paul Levitz aufgrund des Auftretens einer Werbung aus der viktorianischen Ära für "Marvel Douche" erinnerte und diese aufschlug der Verlag hielt das für beleidigend; ^[28] existieren nur 100 Exemplare, von denen die meisten CGC-bewertet wurden. (Siehe Recalled Comics für mehr Pulped, Recalled und falsche Comics.)

Im Jahr 2000 begann eine Firma mit dem Namen Comics Guaranty (CGC), Comics zu "platten", sie in einen dicken Plastikmantel zu hüllen und ihnen eine numerische Note zu geben. Ab 2014 ^[update] gibt es zwei Unternehmen, die eine Einstufung der Comic-Bedingungen durch Dritte anbieten. Da die Bedingung für den Wert seltener Comics so wichtig ist, scheint die Idee einer Einstufung durch ein Unternehmen, das weder Comics kauft noch verkauft, eine gute Idee zu sein. Es gibt jedoch einige Kontroversen darüber, ob dieser Einstufungsdienst die hohen Kosten wert ist und ob es eine positive Entwicklung für Sammler ist oder ob es in erster Linie Spekulanten dient, die einen schnellen Profithandel mit Comics erzielen möchten, wie Aktien oder Aktien handeln Kunst. Comic Grading hat Bewertungsstandards geschaffen, die Online-Preisführer wie GoCollect und GPAnalysis verwendet haben, um über Echtzeitmarktwerte zu berichten.

Die Original-Artwork-Seiten aus Comic-Büchern werden ebenfalls gesammelt, und dies sind möglicherweise die seltensten Gegenstände aller Comic-Sammler, da für jede gedruckte und veröffentlichte Seite nur eine einzige Seite mit Artwork vorhanden ist. Diese wurden von einem Schriftsteller erstellt, der die Geschichte erstellt hat; ein Bleistiftkünstler, der die aufeinanderfolgenden Felder auf der Seite anlegte; ein Tintenkünstler, der mit Stift und schwarzer Tinte über den Stift ging; ein Schriftsteller, der den Dialog und die Erzählung der Geschichte durch Handschrift jedes Worts lieferte; und schließlich ein Colorist, der als letzten Schritt Farbe hinzufügte, bevor die fertigen Seiten zum Drucker gingen.

Wenn die Originalseiten der Druckvorlagen vom Drucker zurückgegeben werden, werden sie normalerweise den Künstlern zurückgegeben, die sie manchmal auf Comic-Konventionen oder in Galerien und Kunstausstellungen im Zusammenhang mit Comic-Kunst verkaufen. Die Originalseiten der ersten Erscheinungen legendärer Charaktere wie Superman, Batman, Wonder Woman und Spider-Man gelten als unbezahlbar.

Advertisements [ edit ]

Comic-Anzeigen waren in den amerikanischen Comic-Büchern von den fünfziger bis in die achtziger Jahre üblich. Sie wurden in der Regel auf der Innenseite der Rückseite zusammen gruppiert und in Schwarzweiß mit einer Abbildung des Produkts dargestellt. Da diese Werbung an Jugendliche gerichtet war, machten viele sensationelle Ansprüche und verkauften die Produkte für ein paar Dollar, um sie an ein Postfach zu schicken. Zu den angebotenen Produkten gehörten Neuheiten und Spielzeug.

Asiatische Comics [ edit ]

Japanese manga [ edit ]

Die ersten Comic-Bücher in Japan erschienen im 18. Jahrhundert Form von mit Holzblöcken gedruckten Broschüren mit Kurzgeschichten aus Volksmärchen, Legenden und historischen Berichten, die in einer einfachen visuell-verbalen Ausdrucksweise erzählt werden. Bekannt als "rote Bücher" ( 赤 本 akahon ) "schwarze Bücher" ( 黒 19 Kurobon ) und "Blue Books" ( 青 19 aohon ) diese wurden hauptsächlich für weniger lesende Leser geschrieben. Doch mit der Veröffentlichung im Jahre 1775 von Koikawa Harumachi Comic Buch Meister Flashgold des Splendiferous Traum ( 金 々 先生 栄 花 の 夢 Kinkin sensei eiga kein yume ) entstand eine weiterentwickelte Form des Comics, für die mehr Alphabetisierung und kulturelle Raffinesse erforderlich waren. Dies war als kibyōshi ([1945表lit. gelbe Abdeckung ) bekannt. Das in Tausenden von Exemplaren veröffentlichte Kibyōshi ist möglicherweise das früheste vollständig realisierte Comicbuch für Erwachsene in der Literaturgeschichte der Welt. Ungefähr 2.000 Titel sind noch vorhanden.

Moderne Comic-Bücher in Japan entwickelten sich aus einer Mischung dieser früheren Comic-Bücher und aus Holzschnitten ukiyo-e ([19451945) mit westlichen Zeichenstilen. Sie nahmen ihre aktuelle Form kurz nach dem Zweiten Weltkrieg an. Sie werden in der Regel in Schwarzweiß veröffentlicht, mit Ausnahme der Umschläge, die normalerweise in vier Farben gedruckt werden, auch wenn die ersten Seiten gelegentlich auch in Vollfarbe gedruckt werden können. Der Begriff manga bedeutet "zufällige (oder wunderliche) Bilder" und kam im späten 18. Jahrhundert mit der Veröffentlichung solcher Werke wie Santō Kyōdens Bilderbuch Shiji no yukikai (19659082) zum ersten Mal in Gebrauch. [194501) (1798) und Aikawa Minwas Comic-Skizzen von hundert Frauen (1798). Während der Meiji-Zeit war der Begriff Akahon ebenfalls gebräuchlich.

Westliche Künstler wurden herangezogen, um ihren Schülern Konzepte wie Linie, Form und Farbe beizubringen; Dies waren Dinge, die in Ukiyo-e nicht als konzeptuell wichtig angesehen wurden, da die Idee hinter dem Bild von größter Bedeutung war. Manga wurde zu dieser Zeit als Ponchi-e (Punch-Bild) bezeichnet und wie sein britisches Pendant Punch hauptsächlich Humor und politische Satire in kurzen ein- oder vier- Bildformat.

Dr. Osamu Tezuka (1928–1989) entwickelte diese Form weiter. Ein animierter Kriegspropagandafilm mit dem Titel Momotaros göttliche Seekrieger ( 桃 太郎 海 海 の Momotarō Umi no Shinpei ) wurde als inspiriert Comiczeichner werden. Er führte das episodische Geschichtenerzählen und die Charakterentwicklung im Comic-Format ein, bei dem jede Geschichte Teil eines größeren Storybogens ist. Der einzige Text in Tezukas Comics war der Dialog der Charaktere. Dies verhalf seinen Comics zu einer filmischen Qualität. Inspiriert durch die Arbeit von Walt Disney hat Tezuka auch eine Art der Gesichtszüge gezeichnet, bei der Augen, Nase und Mund eines Charakters extrem übertrieben gezeichnet werden. Dieser Stil erzeugte sofort erkennbare Ausdrücke mit sehr wenigen Zeilen, und die Einfachheit dieses Stils ermöglichte es Tezuka, produktiv zu sein. Tezukas Arbeit weckte neues Interesse an der Tradition von Ukiyo-e in der das Bild eher eine Repräsentation einer Idee als eine Darstellung der Realität ist.

Obwohl es dem amerikanischen Comic sehr ähnlich ist, hat Manga in der japanischen Kultur historisch eine wichtigere Rolle gespielt als Comics in der amerikanischen Kultur. Die japanische Gesellschaft respektiert den Manga sowohl als Kunstform als auch als Populärliteratur. Viele Mangas werden zu Fernsehshows oder Kurzfilmen. Wie bei seinem amerikanischen Kollegen wurde auch Manga wegen Sexualität und Gewalt kritisiert, obwohl Künstler mangels behördlicher oder sogar inhaltlicher Beschränkungen des Inhalts Mangas für jede Altersgruppe und für jedes Thema frei geschaffen haben.

Manga-Magazine - auch "Anthologien" genannt - führten häufig mehrere Serien gleichzeitig aus, wobei jeder Serie ungefähr 20 bis 40 Seiten zugeordnet wurden. Diese Magazine umfassen jeweils 200 bis mehr als 850 Seiten. Manga-Magazine enthalten außerdem One-Shot-Comics und eine Vielzahl von Yonkoma mit vier Bildschirmen (entspricht Comic-Strips). Manga-Serien können sich über viele Jahre hinweg fortsetzen, wenn sie erfolgreich sind. Geschichten werden oft gesammelt und in Buchgrößen mit dem Namen tankōbon ( 単 行 本 Lit. Stand-Alone-Buch ) veröffentlicht. ) das Äquivalent der amerikanischen Handelstaschenbücher. Diese Bände verwenden Papier von höherer Qualität und sind für Leser nützlich, die mit einer Reihe auf den neuesten Stand gebracht werden möchten, oder für Leser, die die Kosten der wöchentlichen oder monatlichen Veröffentlichungen als unerschwinglich empfinden. Deluxe-Versionen werden als Gedenk- oder Sammleredition gedruckt.

Dōjinshi [ edit ]

Dōjinshi ( Fan-Magazin ) ) japanische Comics, die auf einem weitaus größeren Markt als der amerikanische "Underground Comics" -Markt tätig sind; Die größte Dōjinshi-Messe, Comiket, zieht zweimal im Jahr 500.000 Besucher an. ^[29]

Korean Manhwa [ edit

Die koreanische Manhwa hat sich in letzter Zeit als Folge der Verbreitung von Korea schnell außerhalb Koreas etabliert Koreanische Welle. Die Manhwa-Industrie leidet seit ihren frühen Anfängen unter zwei Abstürzen und strenger Zensur, als Folge der japanischen Besetzung der Halbinsel, die das Wachstum der Branche behindert, nun aber dank des Internets und neuer Lesemethoden für Manhwa floriert ob auf Computern oder über Smartphones. In der Vergangenheit würde manhwa als Manga außerhalb des Landes vermarktet, um sicherzustellen, dass sie gut verkaufen würden, aber dies ist jetzt nicht mehr erforderlich, da mehr Menschen mehr über die Industrie und die koreanische Kultur wissen.

Webtoons [ edit ]

Webtoons sind in Südkorea als neue Lesemethode für Comics populär geworden. Zum Teil dank verschiedener Zensurregeln, Farbe und einzigartigen visuellen Effekten sowie Optimierung für ein einfacheres Lesen auf Smartphones und Computern. Mehr Manhwaga hat den Wechsel von der traditionellen Print-Manhwa zu Online-Webtoons vollzogen, dank besserer Bezahlung und mehr Freiheit als traditionelle Print-Manhwa. Das Webtoon-Format wurde auch auf andere Länder außerhalb Koreas wie China, Japan, Südostasien und westliche Länder ausgedehnt. Zu den wichtigsten Webtoon-Distributoren zählen Lezhin, Naver und Kakao.

Chinesische Manhua [ edit ]

Europäische Comics [] ]

. Franco-Belgische Comics [19456501]]. ]

Frankreich und Belgien haben eine lange Tradition in Comics und Comics, BDs (Abkürzung von bande dessinées ) in französischen und Streifen genannt. In Holländisch. Belgische Comics, die ursprünglich in niederländischer Sprache verfasst wurden, zeigen den Einfluss der französisch-belgischen Comics aus Frankreich, haben jedoch ihren eigenen Stil.

Der Name bande dessinée leitet sich von der ursprünglichen Beschreibung der Kunstform als gezogene Streifen ab (der Ausdruck bedeutet wörtlich "der gezogene Streifen"), analog zu der Abfolge von Bildern in einem Filmstreifen. Wie in seinem englischen Äquivalent kann das Wort "bande" sowohl für Film als auch für Comics verwendet werden. Bezeichnenderweise enthält der französischsprachige Begriff keinen Sachverhalt, im Gegensatz zu den amerikanischen Ausdrücken "Comics" und "funnies", die eine nicht ernst zu nehmende Kunstform implizieren. Die Unterscheidung von Comics als le neuvième art (wörtlich "die neunte Kunst") ist in der französischen Wissenschaft auf der Form vorherrschend, ebenso wie das Konzept der Comicskritik und der Wissenschaft selbst. Bezogen auf die jeweilige Bevölkerungsgröße veröffentlichen die unzähligen Autoren in Frankreich und Belgien eine große Anzahl von Comic-Büchern. In Nordamerika werden die ernsthafteren französisch-belgischen Comics oft als gleichwertig mit Graphic Novels angesehen, aber egal, ob sie lang oder kurz, gebunden oder im Zeitschriftenformat sind, in Europa ist kein anspruchsvollerer Begriff erforderlich, wie der Kunstname heißt impliziert selbst nicht etwas Frivoles.

In Frankreich kontrollieren Autoren die Veröffentlichung der meisten Comics. Der Autor arbeitet innerhalb eines selbstbestimmten Zeitrahmens, und es ist üblich, dass Leser zwischen sechs oder zwei Jahren zwischen den Raten warten. Die meisten Bücher erscheinen zuerst als Hardcover-Buch, normalerweise mit 48, 56 oder 64 Seiten.

Britische Comics [ edit ]

Obwohl Ally Slopers Halburlaub [1945] (1884) auf einen erwachsenen Markt abzielte, zielte der Verleger rasch auf eine jüngere Bevölkerungsgruppe führte dazu, dass die meisten Veröffentlichungen für Kinder bestimmt waren, und hat in der Öffentlichkeit einen Comic-Verein als etwas jugendlich gegründet. The Guardian bezieht sich auf Ally Sloper als "eine der ersten ikonischen Zeichentrickfiguren der Welt" und "im viktorianischen Großbritannien so berühmt wie Dennis, die Bedrohung wäre ein Jahrhundert später." ^[31] Britische Comics in den frühen Jahren Das 20. Jahrhundert entwickelte sich typischerweise aus illustrierten Penny Dreadfuls der viktorianischen Ära (mit Sweeney Todd, Dick Turpin und Varney the Vampire ). ^[32] Zuerst in den 1830er Jahren veröffentlicht, waren Penny Dreadfuls "Großbritanniens erster Massengeschmack". produzierte Populärkultur für die Jugend. "^[33]

Die beiden beliebtesten britischen Comic-Bücher, The Beano und The Dandy wurden erstmals in den 1930er Jahren von DC Thomson veröffentlicht. Bis 1950 erreichte die wöchentliche Auflage von beiden zwei Millionen. ^[34][35] Als die kuratorische Direktorin des Londoner Cartoon Museum, London O'Brien, die enorme Popularität von Comics in der britischen Populärkultur erklärt, erklärt sie: "Bei Comics wie Beano und Dandy wurden in den 1930er Jahren erfunden - und eigentlich bis in die 1950er und 1960er Jahre - diese Comics waren fast die einzige Unterhaltung, die Kindern zur Verfügung steht. "^[34] Der" ungezogenste Schüler der Welt ", Dennis the Menace wurde im Jahr 1945 gegründet In den 50er Jahren, in denen Verkäufe für The Beano verzeichnet wurden, steigt der Aufschwung. ^[36] Er ist auf dem Cover von The Beano zu sehen, wobei die BBC ihn als "definitiven ungezogenen Jungen des Comics" bezeichnet world. " ^[36]

1954, Tiger Comics eingeführt Roy of the Rovers der enorm populäre Fußball-basierte Streifen, der das Leben von Roy Race erzählt und die Mannschaft, für die er spielte, Melchester Rovers. Der Begriff "echte" Roy of the Rovers "wird häufig von Fußballautoren, Kommentatoren und Fans verwendet, wenn er großartige Fähigkeiten oder überraschende Ergebnisse beschreibt, die den Widrigkeiten widersprechen, in Bezug auf die dramatischen Handlungen des Streifens Warenzeichen. ^[37] Andere Comic-Bücher wie Eagle Valiant Warrior Viz und 2000 AD . blühte auch. Einige Comics wie Judge Dredd und andere 2000 n. Chr. wurden in Boulevardform veröffentlicht. U-Bahn-Comics und "Small Press" -Titel wurden auch in Großbritannien veröffentlicht, insbesondere Oz und Escape Magazine .

Der Inhalt von Action ein anderer Titel, der sich an Kinder richtete und Mitte der 1970er Jahre eingeführt wurde, wurde im Unterhaus thematisiert. Obwohl dies in einem kleineren Maßstab als bei ähnlichen Untersuchungen in den USA der Fall war, führten diese Bedenken zu einer Abschwächung der in britischen Comics veröffentlichten Inhalte. Eine solche Moderation wurde nie so weit formalisiert, dass ein Kodex verkündet wurde, noch dauerte es lange. Das Vereinigte Königreich hat auch einen guten Markt für das Nachdrucken und Umpacken von Material geschaffen, insbesondere von Material mit Ursprung in den USA. Das Fehlen zuverlässiger Lieferungen amerikanischer Comic-Bücher führte zu einer Vielzahl von Schwarzweiß-Nachdrucken, darunter Marvel's Monster-Comics der 1950er Jahre , Fawcett's Captain Marvel und andere Charaktere wie Sheena, Mandrake the Magician und das Phantom. Mehrere Reprint-Unternehmen waren an der Neuverpackung von amerikanischem Material für den britischen Markt beteiligt, insbesondere dem Importeur und Vertreiber Thorpe & Porter. Marvel Comics gründete 1972 ein Büro in Großbritannien. DC Comics und Dark Horse Comics eröffneten in den 1990er Jahren auch ein Büro. Das Umpacken von europäischem Material ist weniger häufig vorgekommen, obwohl The Adventures of Tintin und Asterix Serien erfolgreich übersetzt und in Softcover-Büchern verpackt wurden.

In den 1980er Jahren erlangte ein Wiederaufleben britischer Schriftsteller und Künstler in den Mainstream-Comic-Büchern, die in der Comic-Geschichte als "Britische Invasion" bezeichnet wurden, Beachtung. ^[38] Diese Schriftsteller und Künstler brachten ihre eigenen reifen Themen und ihre eigene Philosophie mit wie Anarchie, Kontroverse und Politik, die in britischen Medien üblich sind. Diese Elemente würden den Weg für reife und "düsterere und kantigere" Comic-Bücher ebnen und die Moderne der Comics vorantreiben. ^[39] Zu den Schriftstellern gehörte Alan Moore, der für seine V für Vendetta berühmt war Hölle Wächter Marvelman und Die Liga der außergewöhnlichen Herren ; Neil Gaiman und Sandman Bücher der Magie ; Warren Ellis, Schöpfer von Transmetropolitan und Planetary ; und andere wie Mark Millar, Schöpfer von Wanted und Kick-Ass . Die Comic-Serie Hellblazer die größtenteils in Großbritannien spielt und mit dem Zauberkünstler John Constantine spielt, ebneten britischen Schriftstellern wie Jamie Delano den Weg. [42] [41]

At Christmas Zeit, Verlage Umpackung und Kommissionierung von Material für Comic-Jahrbücher, gedruckt und gebunden als Hardcover-Bücher im A4-Format; "Rupert" liefert ein berühmtes Beispiel für den jährlichen britischen Comic. DC Thomson packt auch Die Broons und Oor Wullie in Softcover-Taschen im A4-Format für die Weihnachtszeit.

Am 19. März 2012 veröffentlichte die britische Post, die Royal Mail, eine Reihe von Briefmarken mit britischen Comiczeichen und -serien. ^[42] Die Sammlung enthielt The Beano The Dandy Adler The Topper Roy von den Rovers Bunty Buster Buster Valiant Twinkle und 2000 n. Chr. ^[42]

Spanische Comics [ edit ]

Cantigas de Santa María konnte als erster spanischer "Comic" betrachtet werden, obwohl Comicbücher (auch in Spanien als historietas oder tebeos bezeichnet) ihre Bücher machten debut around 1857. The magazine TBO was influential in popularizing the medium. After the Spanish Civil War the Franco regime imposed strict censorship in all media: superhero comics were forbidden and as a result, comic heroes were based on historical fiction (in 1944 the medieval hero El Guerrero del Antifaz was created by Manuel Gago and another popular medieval hero, Capitán Truenowas created in 1956 by Víctor Mora and Miguel Ambrosio Zaragoza). Two publishing houses — Editorial Bruguera and Editorial Valenciana — dominated the Spanish comics market during its golden age (1950-1970). The most popular comics showed a recognizable style of slapstick humor (influenced by Franco-Belgian authors such as Franquin): Escobar's Carpanta and Zipi y ZapeVázquez's Las hermanas Gilda and Anacleto, Ibáñez's Mortadelo y Filemón and 13. Rue del Percebe or Jan's Superlópez. After the end of the Francoist period, there was an increased interest in adult comics with magazines such as TotemEl Jueves1984and El Víbora, and works such as Paracuellos by Carlos Giménez.

Spanish artists have traditionally worked in other markets finding great success, either in the American (e.g., Eisner Award winners Sergio Aragonés, Salvador Larroca, Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín or David Aja), the British (e.g., Carlos Ezquerra, co-creator of Judge Dredd) or the Franco-Belgian one (e.g., Fauve d'Or winner Julio Ribera or Blacksad authors Juan Díaz Canales and Juanjo Guarnido).

Italian comics[edit]

In Italy, comics (known in Italian as fumetti) made their debut as humor strips at the end of the 19th century, and later evolved into adventure stories. After World War II, however, artists like Hugo Pratt and Guido Crepax exposed Italian comics to an international audience. Popular comic books such as Diabolik or the Bonelli line—namely Tex Willer or Dylan Dog—remain best-sellers.^[43]

Mainstream comics are usually published on a monthly basis, in a black-and-white digest size format, with approximately 100 to 132 pages. Collections of classic material for the most famous characters, usually with more than 200 pages, are also common. Author comics are published in the French BD format, with an example being Pratt's Corto Maltese.

Italian cartoonists show the influence of comics from other countries, including France, Belgium, Spain, and Argentina. Italy is also famous for being one of the foremost producers of Walt Disney comic stories outside the U.S. Donald Duck's superhero alter ego, Paperinik, known in English as Superduck, was created in Italy.

Czech comics[edit]

Čtyřlístek (in English translated as Lucky Four or Four-Leaf Clover) is one of the most well-known comics for children published in the Czech Republic.

Distribution[edit]

Distribution has historically been a problem for the comic book industry with many mainstream retailers declining to carry extensive stocks of the most interesting and popular comics. The smartphone and the tablet have turned out to be an ideal medium for online distribution.^[44]

Digital distribution[edit]

On November 13, 2007, Marvel Comics launched Marvel Digital Comics Unlimited, a subscription service allowing readers to read many comics from Marvel's history online. The service also includes periodic release new comics not available elsewhere. With the release of Avenging Spider-Man #1, Marvel also became the first publisher to provide free digital copies as part of the print copy of the comic book.^[45]

With the growing popularity of smartphones and tablets, many major publishers have begun releasing titles in digital form. The most popular platform is comiXology. Some platforms, such as Graphicly, have shut down.

Comic collections in libraries[edit]

Many libraries have extensive collections of comics in the form of graphic novels. This is a convenient way for many in the public to become familiar with the medium.^[46]

Guinness World Record[edit]

The largest comic book ever published was on the 5th of August 2018 in São Paulo, São Paulo, Brazil. It is named Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo! by Panini Comics Brasil and Mauricio de Sousa Editora, and it measures at 69.9 cm by 99.8 cm (2 ft 3.51 in by 3 ft 3.29 in).^[47]

The Japanese manga author Eiichiro Oda has made comic book history by attaining a Guinness World Record title for having the "Most copies published for the same comic book series by a single author". His widely popular comic titled One Piece was first serialised in Weekly Shonen Jump magazine (Shueisha) in Japan, back in December 1997. In the space of less than two decades, the series has accumulated an incredibly loyal following and has gone on to sell an incredible 320,866,000 units, with a substantial 77 volumes of the comic book released over that period.^[48]

See also[edit]

References[edit]

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Further reading[edit]

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