Soziale Auswirkungen von Rockmusik

Die Popularität und der weltweite Umfang der Rockmusik hatten einen starken Einfluss auf die Gesellschaft. Rock and Roll beeinflusste das tägliche Leben, die Mode, die Einstellungen und die Sprache in einer Weise, die nur wenige soziale Entwicklungen erreicht haben. Mit der Reife der ursprünglichen Generationen von Rock'n'Roll-Fans wurde die Musik zu einem akzeptierten und tief verwobenen Faden in der Populärkultur. Ab den frühen fünfziger Jahren wurden Rocksongs und Acts in einigen Fernsehspots verwendet. Innerhalb eines Jahrzehnts verbreitete sich diese Praxis, und Rockmusik wurde auch in Soundtracks von Film- und Fernsehprogrammen eingesetzt.

Es gibt viele Konflikte in Bezug darauf, wie Frauen von Rockmusikern gesehen werden, sowie die Wahrnehmung, die Außenseiter auf ihr Engagement in der Rockmusik haben. Es gibt einen Led Zeppelin-Film mit dem Titel "The Song Remains the Same", der die Band während einer Live-Show verfolgt, und es gibt eine Frau in der Krone, die sich wirklich abhebt. Susan Fast beschloss, diese Inspiration zu nutzen, um Geschlecht und Sexualität in diesen Umgebungen zu erforschen. "Sie schaut nicht nur auf das, was sie für ein erfreuliches Spektakel hält, sondern sie sitzt still und hört zu; sie ist komponiert, analytisch und spielerisch mit dem beschäftigt, was sie beobachtet." (Fast 255). ^[1] Ihre Erfahrung und Forschung hat gezeigt, dass Frauen Spaß an Rockkonzerten haben wie Männer. Die Frau im Video stellte sich selbst als Person dar, die die Musik wirklich genoss. Sie war weder hysterisch noch schreiend. Sie zog ihr Hemd nicht aus, um sich bekannt zu machen. Sie hatte kein Verlangen nach Aufmerksamkeit von den Männern um sie herum; Nur eine Person, die die Aufführung wirklich genießt und die Musik spürt.

In der Grunge-Szene finden Sie Beweise für die Riot Grrrl-Bewegung. Todd Kerstetter zufolge wurde diese Bewegung von "radikalen Feministinnen" ^[2] ins Leben gerufen und ermutigte die Zuschauer wirklich dazu, über sexuellen Missbrauch zu diskutieren, anstatt ihn festzuhalten. Sie gaben sogar an, dass die Frauen im Publikum immer einen sicheren Ort in der Nähe der Bühne hatten, an dem sie die Show sehen konnten, ohne durch Moshpits und andere aggressive Verhaltensweisen gefährdet zu werden.

An der Kreuzung der afroamerikanischen "Rassenmusik" an ein wachsendes weißes Jugendpublikum waren bei der Popularisierung des Rock and Roll sowohl schwarze als auch weiße Darsteller auf ein weißes Publikum gerichtet, und weiße Interpreten passten die afroamerikanische Musik an. ^[3] Rock and Roll erschien zu einer Zeit, als die Spannungen zwischen den Rassen in den Vereinigten Staaten in eine neue Phase eintraten, mit dem Beginn der Bürgerrechtsbewegung für die Desegregation, was zu einer Entscheidung des Obersten Gerichtshofs führte, die die Politik des "separaten, aber gleichwertigen" 1954 aufhob, aber aufhörte eine Politik, die in Teilen der Vereinigten Staaten äußerst schwer durchzusetzen ist. ^[4] Das Zusammentreffen von weißem Jugendpublikum und schwarzer Rock-and-Roll-Musik löste zwangsläufig starke rassisch aufgeladene Reaktionen in den USA aus, wobei viele Weiße das Brechen verurteilten von Barrieren auf der Grundlage von Farbe. ^[5] Viele Beobachter sahen Rock and Roll als Anstoß für die Desegregation an, indem sie eine neue Form von Musik kreierten, die die rassische Zusammenarbeit und die Förderung der ethnischen Zugehörigkeit förderte geteilte Erfahrung. ^[6] Viele Autoren argumentierten, dass früher Rock'n'Roll maßgeblich dazu beigetragen habe, wie sich sowohl weiße als auch schwarze Teenager identifiziert hätten. ^[7]

Auch wenn die Rockszene letztendlich Schwarze und Weiße brachte Schwarze wurden nicht immer mit offenen Armen empfangen. Sie mussten die Segregation und den Rassismus durchdringen und kämpfen, um endlich dazu zu gehören. Bei ihrer Recherche entdeckte Maureen Mahon, dass es den Leuten sehr schwer fiel, einen Schwarzen auf der Bühne mit Gitarre oder sogar im Kopfbang-Kopf zu präsentieren. Maureen erklärt: "Black Rock steht außerhalb herkömmlicher Vorstellungen von schwarzer Authentizität, denn obwohl es einfach ist, Schwarze als Musiker zu akzeptieren, ist das Bild eines Rockmusikers für die meisten Amerikaner ein weißer Mann mit Gitarre" (Mahon 288). Es wird daher allgemein erwartet, dass ein schwarzer Musiker als Rapper oder sogar als Country-Sänger angesehen wird, bevor jemand erwartet, dass er sie mit einem Schlagzeug oder einer Bassgitarre auf der Bühne sehen wird. ^[8]

Sex und Drogen [ edit ]

Der Rock-and-Roll-Lebensstil wurde allgemein mit Sex und Drogen in Verbindung gebracht. Viele der frühen Rock'n'Roll-Stars (sowie deren Jazz- und Blues-Pendants) waren als trinkende, hart lebende Charaktere bekannt. In den 1960er Jahren wurde der Lebensstil vieler Stars bekannter, was durch das Wachstum der Underground-Rock-Presse unterstützt wurde. Musiker hatten immer die Aufmerksamkeit von "Groupies" (Mädchen, die Musikern folgten) auf sich aufmerksam gemacht, die Zeit mit den Bandmitgliedern verbracht hatten und oft sexuelle Gefälligkeiten ausübten.

Einige der Frauen, die der Band folgten, waren mehr Fans der Musik als die Musiker. Mimi Schippers verbrachte viel Zeit damit, Sexualität und Gender in der Welt des alternativen Hard Rock zu erforschen und zu erfahren. Sie stellte fest, dass viele Frauen sexuelle Kommentare über die Musik selbst oder den Klang der Sängerstimme abgeben würden. Diese Frauen hatten kein Interesse an sexuellen Gefälligkeiten für Bandmitglieder, aber sie hatten ihre eigenen euphorischen Erfahrungen mit der Live-Performance. Mimi berichtet, dass sie Zeuge von Frauen sei, die Dinge sagen wie "Ich brauche eine Zigarette" und "Einfach fick mich jetzt", um die Musik zu vermitteln, die sie sexuell zur Verfügung gestellt hatte. ^[9]

Die Lebensweise der Stars wurde immer bekannter, die Beliebtheit und Förderung des Drogenkonsums in der Freizeit durch Musiker könnte den Drogenkonsum und die Wahrnehmung der Akzeptanz des Drogenkonsums unter den Jugendlichen dieser Periode beeinflusst haben. Als zum Beispiel in den späten 1960er Jahren die Beatles, die zuvor als reiner Jugendlicher vermarktet wurden, mit LSD öffentlich bekannt wurden, folgten viele Fans. Der Journalist Al Aronowitz schrieb: "... was die Beatles taten, war vor allem für junge Leute akzeptabel." Jerry Garcia von der Rockband Grateful Dead sagte: "Für manche Leute, die LSD nehmen und zur Grateful Dead-Show gehen, funktionieren wie ein Ritus der Passage ... wir haben kein Produkt zu verkaufen, aber wir haben einen Mechanismus works. " ^{[ Zitat benötigt}

In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren wurde ein Großteil des Rock'n'Roll-Gütesiegels, das mit dem Drogenkonsum in Verbindung gebracht wurde, als Rockmusik einer Reihe von Drogen ausgesetzt Todesfälle, darunter die 27 Club-Mitglieder von Jimi Hendrix, Janis Joplin und Jim Morrison. Obwohl Drogenkonsum nach wie vor weit verbreitet war, wurde bei den Rockmusikern ein weitverbreiteter Respekt vor den Gefahren des Drogenkonsums beobachtet, und viele Anti-Drogen-Songs wurden Teil des Rock-Lexikons, insbesondere "The Needle and the Damage Done" von Neil Young ( 1972).

Viele Rockmusiker, darunter John Lennon, Paul McCartney, Bob Dylan, Jerry Garcia, Stevie Nicks, Jimmy Page, Keith Richards, Bon Scott, Eric Clapton, Pete Townshend, Brian Wilson, Carl Wilson, Dennis Wilson, Steven Wilson, Scott Weiland, Sly Stone, Madonna, Ozzy Osbourne, Mötley Crüe, Layne Staley, Kurt Cobain, Courtney Love, Lemmy, Whitney Houston, Bobby Brown, Buffy Sainte-Marie, David Crosby, David Kossis, Dave Mustaine und David Bowie Richard Wright, Phil Rudd, Elton John, Phil Anselmo, James Hetfield, Alice Cooper, Kirk Hammett, Joe Walsh und andere haben Kampfesucht gegen viele Substanzen wie Alkohol, Kokain und Heroin eingestanden; Viele von ihnen haben erfolgreich Drogenrehabilitationsprogramme durchlaufen, andere sind jedoch gestorben.

Anfang der achtziger Jahre. Mit dem Aufstieg der Band Minor Threat wurde ein geradliniger Lebensstil populär. Die geradlinige Philosophie der Abstinenz von Freizeitdrogen, Alkohol, Tabak und Sexualität wurde im Laufe der Jahre mit einigen Hardcore-Punks in Verbindung gebracht, und beide sind heute bei der Jugend beliebt. ^{[ ]}

] Mode [ edit ]

Rockmusik und Mode sind untrennbar miteinander verbunden. Mitte der 1960er Jahre des Vereinigten Königreichs kam es zu Rivalitäten zwischen "Mods" (die "moderne" italienische Mode) und "Rockers" (die Motorradleder trugen), wobei jeder Stil seine eigenen bevorzugten musikalischen Akte hatte. (Die Kontroverse würde die Kulisse für The Who´s Rockoper Quadrophenia bilden). In den 1960er Jahren brachten die Beatles Mop-Top-Haarschnitte, kragenlose Blazer und Beatle-Stiefel in Mode.

Rockmusiker waren auch frühe Anhänger der Hippie-Mode und verbreiteten Stilrichtungen wie lange Haare und die Nehru-Jacke. Mit der zunehmenden Segmentierung der Rockmusik-Genres wurde das, was ein Künstler trug, genauso wichtig wie die Musik selbst, um die Absicht und die Beziehung des Künstlers zum Publikum zu definieren. In den frühen 70er Jahren wurde Glam Rock mit glitzernden Moden, High Heels und Camp einflussreich. In den späten 70er Jahren sorgten Disco-Acts für einen auffälligen urbanen Stil im Mainstream, während Punk-Gruppen anfingen, konservative Kleidung (einschließlich Anzugjacken und Skinny-Krawatten) zu tragen, um sich so von Mainstream-Rockmusikern zu unterscheiden, die sich immer noch für Blau interessierten Jeans und Hippie-beeinflusste Kleidung.

Heavy Metal-Bands in den 1980er Jahren bevorzugten oft ein starkes visuelles Bild. Bei einigen Bands bestand dies aus Leder- oder Jeansjacken und -hosen, Stacheln / Spikes und langen Haaren. Das visuelle Bild war ein starker Bestandteil der Glam Metal-Bewegung.

In den frühen 1990er Jahren beeinflusste die Beliebtheit von Grunge in einem Punk seine eigene Mode, darunter zerrissene Jeans, alte Schuhe, Flanellhemden, rückwärts gerichtete Baseballmützen, und die Leute wuchsen gegen das populäre, saubere Bild zu dieser Zeit in stark kommerzialisierter Popmusikkultur.

Musiker sind nach wie vor Modeikonen; Pop-Kultur-Magazine wie Rolling Stone enthalten häufig modische Layouts mit Musikern als Vorbild.

Neben Zeitschriften, die den klassischen Rocker-Stil zeigen, zeigen viele lokale Geschäfte und Restaurants in der ganzen Nation den ikonischen Modetrend. Wie bereits erwähnt, runden gerissene Jeans und Flanelle sowie vielseitige Accessoires den berühmten Look ab. Ein Beispiel für einen Ort, der diesen Modetrend noch immer fortsetzt, ist Thirty Three Star. Dies ist ein Geschäft in Privatbesitz in Jacksonville Beach, Florida. Der Laden befindet sich in 308 3rd St. S und wird von Thressa Anderson betrieben. Die Lage in Jacksonville Beach ist die einzige. Die Boutique wurde geschaffen, um Menschen überall mit der kulturellen Identität der Rock-and-Roll-Musik zu verbinden. Das Rock and Roll-Genre gibt es schon seit vielen Jahrzehnten, Anfang der fünfziger Jahre, Ende der vierziger Jahre, und Orte wie diese helfen, den Geist und die Kultur des Rock and Roll am Leben zu erhalten ^[10]. Das Innere der kleinen Boutique strahlt Hard Rock-Musik aus und ist mit roter und schwarzer Farbe dekoriert, um den Menschen das Gefühl eines echten Vintage-Rock-and-Roll-Shops zu vermitteln. Laut einer Statistik über die Soziologie der Rock - and - Roll - Musik hat das Rolling Stone Magazin seit 1970 ^[11] einen starken Rückgang bei den großen Rockalben erlebt. Viele glauben, dass dies auf den Reichtum der Musik zurückzuführen ist, die einst von den frühen Künstlern von London produziert wurde das Genre sind heute nicht mehr zu sehen. Dreiunddreißig Drei Sterne und andere Orte sind für diejenigen, die sich noch stark mit der Rock-and-Roll-Kultur beschäftigen, unerlässlich. Ohne Orte wie Thirty Three Star sinkt die Rock and Roll-Kultur möglicherweise weiter, und der mit einer brüllenden Gitarre einhergehende Geist kann verloren gehen.

Authenticity [ edit ]

In der Goth-Subkultur gelten Personen, die als nicht wirklich die Werte der Subkultur teilen, als "unauthentisch".

Rockmusiker und Fans haben ständig mit dem Paradoxon des "Ausverkaufs" zu kämpfen - um als "authentisch" zu gelten, muss Rockmusik einen gewissen Abstand von der kommerziellen Welt und ihren Konstrukten halten. ^{[] ] ]} Es wird jedoch allgemein angenommen, dass bestimmte Kompromisse eingegangen werden müssen, um erfolgreich zu sein und Musik der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Dieses Dilemma hat zu Reibereien zwischen Musikern und Fans geführt, wobei einige Bands alles tun, um den Anschein von "Ausverkauf" zu vermeiden (während sie immer noch Wege finden, um ein lukratives Leben zu führen). In einigen Rockstilen, wie Punk und Heavy Metal, kann ein Performer, der für kommerzielle Interessen "ausverkauft" ist, mit dem abwertenden Begriff "Poseur" bezeichnet werden.

Wenn ein Künstler zuerst mit einem Stil auf die Öffentlichkeit aufmerksam wird, kann jede weitere stilistische Entwicklung als Verkauf für langjährige Fans angesehen werden. Auf der anderen Seite können Manager und Produzenten nach und nach mehr Kontrolle über den Künstler erlangen, wie es beispielsweise bei Elvis Presleys schnellem Übergang von "The Hillbilly Cat" zu "Ihrem Teddybär" der Fall war. Es kann schwierig sein, den Unterschied zwischen der Suche nach einem breiteren Publikum und dem Verkauf zu definieren. Ray Charles hat seine klassische Formulierung von Rhythmus und Blues hinter sich gelassen, um Country-Musik, Pop-Songs und Soft-Drink-Spots zu singen. Dabei wurde er von einem Nischenpublikum zu weltweiter Berühmtheit. Am Ende handelt es sich um ein moralisches Urteil des Künstlers, des Managements und des Publikums.

Rammstein ist eine deutsche Rockband, die sich in den Vereinigten Staaten großer Beliebtheit erfreut. Einige waren besorgt, dass sie während dieses Übergangs ihre Authentizität verlieren würden. Robert Burns war von der Band fasziniert und recherchierte, um die Authentizität ihrer Musik und ihrer Aufführungen besser zu verstehen. Er entdeckte, dass sie "mithilfe formeller Rock-Arrangements und -Instrumentation ihrem Publikum ein bekanntes Rock-Konzept präsentieren und dabei die nationale Identität und somit den Unterschied mit kulturellen Signifikanten darlegen, die kulturelle Unterscheidungsmerkmale im nationalen und internationalen Kontext festlegen" (Burns 461) ^[12]

Wohltätige und soziale Zwecke [ edit ]

Liebe und Frieden waren in den 1960er und 1970er Jahren in der Rockmusik sehr häufig anzutreffen. Rockmusiker haben oft versucht, soziale Fragen direkt als Kommentar oder als Aufruf zum Handeln anzusprechen. Während des Vietnamkrieges wurden die ersten Rock-Protestlieder gehört, die von den Liedern von Volksmusikern wie Woody Guthrie und Bob Dylan inspiriert wurden. Sie reichten von abstrakten Friedenserinnerungen Peter, Pauls und Marys "If I Had a Hammer", um Anti-Feind Gründungs-Diatribes Crosby, Stills, Nash & Young "Ohio". Andere Musiker, insbesondere John Lennon und Yoko Ono, waren in ihrer Antikriegsstimmung sowohl in ihrer Musik als auch in öffentlichen Äußerungen mit Liedern wie "Imagine" und "Give Peace a Chance" zu hören.

Berühmte Rockmusiker haben Ursachen angenommen, die von der Umwelt (Marvin Gayes "Mercy Mercy Me (The Ecology)") und der Anti-Apartheid-Bewegung (Peter Gabriels "Biko") bis hin zu Gewalt in Nordirland (U2's Sunday Bloody) reichen Sonntag ") und weltweite Wirtschaftspolitik (" Kill the Poor "der toten Kennedys). Ein weiteres bemerkenswertes Protestlied ist Patti Smiths Aufnahme "People Have the Power". Gelegentlich würde dieses Engagement über das einfache Songwriting hinausgehen und die Form von manchmal spektakulären Konzerten oder Fernsehveranstaltungen annehmen, die oft Geld für wohltätige Zwecke sammeln und für globale Probleme sensibilisieren.

Rock and Roll als sozialer Aktivismus erreichte einen Meilenstein bei den Live Aid-Konzerten, die am 13. Juli 1985 stattfanden. Dies war ein Auswuchs der 1984 gegründeten Wohltätigkeits-Single "Wissen sie, es ist Halloween?" und wurde zum größten Musikkonzert der Geschichte mit Künstlern auf zwei Hauptbühnen, einer in London (England) und der anderen in Philadelphia (USA) (sowie einigen anderen Künstlern, die in anderen Ländern auftreten) und weltweit im Fernsehen übertragen. Das Konzert dauerte 16 Stunden und bestand aus fast allen, die 1985 an der Spitze von Rock und Pop standen. Die Wohltätigkeitsveranstaltung brachte Millionen von Dollar für die Hungerhilfe in Afrika zusammen. Live Aid wurde zu einem Modell für viele andere Spendenaktionen und Sensibilisierungsaktionen, einschließlich der Farm Aid-Konzerte für Familienbauern in Nordamerika sowie der Fernsehauftritte, die den Opfern der Anschläge vom 11. September zugute kamen. Live Aid selbst wurde 2005 mit dem Live 8-Konzert erneut aufgelegt, um auf die globale Wirtschaftspolitik aufmerksam zu machen. Umweltprobleme waren auch ein gemeinsames Thema, zum Beispiel Live Earth.

Religion [ edit ]

Songwriter wie Pete Townshend haben diese spirituellen Aspekte in ihrer Arbeit untersucht. Die gebräuchliche Verwendung des Begriffs " Felsgott " erkennt die religiöse Qualität der Verehrung an, die einige Rockstars erhalten. John Lennon wurde berüchtigt für eine Aussage, die er 1966 abgegeben hatte, die Beatles seien "populärer als Jesus Christus". ^[13] Später sagte er jedoch, dass diese Aussage missverstanden wurde und nicht als anti-christlich angesehen werden sollte. ^[19459162

Iron Maiden, Ozzy Osbourne, King Diamond, Alice Cooper, Led Zeppelin, Marilyn Manson, Slayer und zahlreiche andere wurden ebenfalls beschuldigt, Satanisten zu sein, die unmoralisch sind oder auf andere Weise einen "bösen" Einfluss auf ihre Zuhörer haben. Antireligiöse Gefühle treten auch in Punk und Hardcore auf. Es gibt das Beispiel des Songs "Filler" von Minor Threat, der Name und das berühmte Logo der Band Bad Religion und Kritik des Christentums und aller Religionen ist ein wichtiges Thema in Anarcho-Punk und Crust Punk. ^{[ Citation ]}

Christentum [ edit ]

Christian Rock, Alternativer Rock, Metal, Punk und Hardcore sind bestimmte, identifizierbare Genres der Rockmusik mit starken christlichen Akzenten und Einfluss ^{Zitat benötigt} Viele Gruppen und Personen, die nicht als christliche Rockkünstler gelten, haben selbst religiöse Überzeugungen. Zum Beispiel; The Edge und Bono von U2 sind ein Methodist und ein Anglikaner ^[15] ; Bruce Springsteen ist römisch-katholisch, ^[16] und Brandon Flowers von The Killers ist ein Heiliger der Letzten Tage. ^[17][18] Carlos Santana ^[19]Ted Nugent ^[20] und John Mellencamp ^[21] sind weitere Beispiele für Rockstars die sich zu einer Form des christlichen Glaubens bekennen.

Einige konservative Christen heben jedoch die Musikgenres Hip Hop und Rock sowie Blues und Jazz als Dschungelschläge oder Dschungelmusik hervor und behaupten, dies sei der Fall ein Beat oder Musikstil, der von Natur aus böse, unmoralisch oder sinnlich ist. Demnach ist jedes Lied in den Genres Rap, Hip Hop und Rock aufgrund des musikalischen Beats des Songs von Natur aus böse, unabhängig von den Liedtexten oder der Botschaft des Songs. Einige erweitern diese Analyse sogar auf christliche Rocksongs. ^[22]

Der christlich-konservative Autor David Noebel ist einer der bemerkenswertesten Gegner der Existenz von Dschungelschlägen. Noebel vertrat in seinen Schriften und Reden die Auffassung, dass der Einsatz solcher Beats in der Musik eine kommunistische Absicht sei, die Moral der Jugend der Vereinigten Staaten zu untergraben. ^[23] Papst Benedikt XVI. Wurde laut der britischen Rundfunkgesellschaft zitiert: dass "Rock ... der Ausdruck der elementaren Leidenschaften ist und bei Rockfestivals einen manchmal kultischen Charakter annimmt, eine Form der Anbetung, tatsächlich gegen die christliche Anbetung." ^[24]

Satanism edit ]

Einige Metal-Bands verwenden dämonische Bilder zu künstlerischen Zwecken und / oder zu Unterhaltungszwecken, obwohl sie nicht an Satan anbeten oder daran glauben. ^{[ Zitat erforderlich} Ozzy Es wird berichtet, dass Osbourne anglikanisch ^[25][26] ist und Alice Cooper ein bekannter wiedergeborener Christ ist. ^[27] In einigen Fällen haben Metal-Performer jedoch satanische Ansichten geäußert. Zahlreiche andere in der frühen norwegischen Black Metal-Szene waren Satanisten. Das bekannteste Beispiel dafür ist Euronymous, der behauptete, dass er Satan als Gott verehrt habe. Varg Vikernes (damals "Graf" oder "Grishnak" genannt) wurde auch als Satanist ^[28] bezeichnet, obwohl er dieses Etikett abgelehnt hat. Selbst innerhalb dieses lokalisierten Musikgenres wurden die Brandanschläge auf christliche Kirchen und andere Gotteshäuser von einigen prominenten Persönlichkeiten der norwegischen Black Metal-Szene wie Kjetil Manheim verurteilt. ^[29]

References [ edit ]

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Weiterführende Literatur [ edit

• Alain Dister, Die Geschichte des Rocks: Smash Hits und Superstars Reihe "New Horizons" (London: Thames und Hudson, 1993), 40. ISBN 978-0- 500-30033-6
• Jeff Godwin, Die Schüler des Teufels: Die Wahrheit über den Felsen (Chino, Calif .: Chick Publications, 1985). ISBN 0-937958-23-9
• Dan Peters, Steve Peters und Cher Merrill. Warum Knock Rock? (Minneapolis, Minn .: Bethany House Publishers, 1984). ISBN 0-87123-440-8
• Perry F. Rockwood, Rockmusik oder Rock of Ages (Halifax, N.S .: People's Gospel Hour, [1980?]). Ohne ISBN

Externe Links [ edit ]