großes Instrumentalensemble
Ein -Orchester [ ; 19659005]) ist ein großes klassisches Instrumentalensemble, das Instrumente aus verschiedenen Familien, darunter Streichinstrumente wie Violine, Viola, Violoncello und Kontrabass, sowie Blechblasinstrumente, Holzblasinstrumente und Schlaginstrumente, die jeweils in Gruppen zusammengefasst sind, mischt Abschnitte. Andere Instrumente wie das Klavier und die Celesta erscheinen manchmal in einer fünften Keyboard-Sektion oder stehen allein, ebenso wie die Konzertharfe und, für moderne Kompositionen, elektronische Instrumente.
Ein Orchester in voller Größe kann manchmal als Sinfonieorchester oder Philharmonisches Orchester bezeichnet werden. Die tatsächliche Anzahl der Musiker, die für eine bestimmte Performance eingesetzt werden, kann von 70 bis über 100 Musikern variieren, abhängig von der gespielten Arbeit und der Größe des Veranstaltungsortes. Der Begriff Kammerorchester (und manchmal Konzertorchester ) bezieht sich normalerweise auf kleinere Ensembles von etwa fünfzig Musikern oder weniger. ] Orchester, die sich auf die Barockmusik von beispielsweise Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel oder klassisches Repertoire wie Haydn und Mozart spezialisiert haben, sind tendenziell kleiner als Orchester, die ein romantisches Musikrepertoire durchführen, [ Zitat erforderlich wie die Sinfonien von Johannes Brahms. Das typische Orchester wuchs im 18. und 19. Jahrhundert an und erreichte mit den großen Orchestern (von bis zu 120 Spielern), die in den Werken von Richard Wagner und später von Gustav Mahler gefordert wurden, einen Höhepunkt.
Die Orchester werden in der Regel von einem Dirigenten geleitet, der die Aufführung mit Bewegungen der Hände und Arme dirigiert, die den Musikern häufig durch den Einsatz eines Dirigentenstabes erleichtert werden. Der Dirigent vereint das Orchester, gibt das Tempo vor und formt den Klang des Ensembles. [1] Der Dirigent bereitet das Orchester auch vor, indem er vor dem öffentlichen Konzert Proben vorführt, in denen der Dirigent den Musikern Anweisungen zur Interpretation des Musikwesens gibt durchgeführt.
Der Leiter der ersten Violinsektion, allgemein als Konzertmeister bezeichnet, spielt auch eine wichtige Rolle bei der Leitung der Musiker. In der Barockmusik (1600–1750) wurden die Orchester häufig vom Konzertmeister oder von einem Akkordmusiker geleitet, der die Bass-Continuo-Parts auf einem Cembalo oder einer Pfeifenorgel spielte. Diese Tradition wird in einigen Ensembles des 20. und 21. Jahrhunderts fortgesetzt . Orchester spielen ein breites Repertoire, einschließlich Symphonien, Opern- und Ballett-Ouvertüren, Konzerte für Soloinstrumente und als Pit-Ensembles für Opern, Ballette und einige Arten von Musiktheater (z. B. Gilbert- und Sullivan-Operetten).
Zu den Amateurorchestern zählen Orchester, die aus Schülern einer Grundschule oder eines Gymnasiums bestehen, sowie Jugendorchester und Orchester der Gemeinschaft. Die beiden letzteren bestehen typischerweise aus Amateurmusikern aus einer bestimmten Stadt oder Region.
Der Begriff Orchester leitet sich vom griechischen ὀρχήστρα ( Orchester ) ab, der Name für das Gebiet vor einer Bühne im antiken griechischen Theater, die dem griechischen Chor vorbehalten war. [2]
Besetzung [ edit ]
. Das typische Sinfonieorchester besteht aus vier Gruppen verwandte Musikinstrumente, genannt Holzbläser, Blechbläser, Schlagzeug und Streicher (Violine, Viola, Cello und Kontrabass). Andere Instrumente, wie das Klavier und die Celesta, können manchmal in einen fünften Abschnitt gruppiert werden, beispielsweise einen Keyboard-Abschnitt, oder können allein stehen, ebenso wie die Konzertharfe und elektrische und elektronische Instrumente. Das Orchester enthält je nach Größe fast alle Standardinstrumente in jeder Gruppe.
In der Geschichte des Orchesters wurde seine Besetzung im Laufe der Zeit erweitert, oft stimmte man zu, dass die Klassik [3] und Ludwig van Beethovens Einfluss auf das klassische Modell standardisiert wurden. [4] Im 20. und 21. Jahrhundert Neue Anforderungen an das Repertoire erweiterten die Instrumentation des Orchesters und führten zu einem flexiblen Einsatz der Instrumente des klassischen Modells sowie der neu entwickelten elektrischen und elektronischen Instrumente in verschiedenen Kombinationen.
Die Ausdrücke Sinfonieorchester und Philharmonie können verwendet werden, um verschiedene Ensembles aus demselben Ort wie das London Symphony Orchestra und das London Philharmonic Orchestra zu unterscheiden. In einem Sinfonieorchester stehen in der Regel über 80 Musiker, in einigen Fällen mehr als einhundert, aber die tatsächliche Anzahl der Musiker, die für eine bestimmte Aufführung eingesetzt werden, kann je nach gespielter Arbeit und Größe des Veranstaltungsortes variieren.
Kammerorchester bezieht sich normalerweise auf kleinere Ensembles; ein bedeutendes Kammerorchester könnte bis zu fünfzig Musiker beschäftigen; einige sind viel kleiner als das. Der Begriff Konzertorchester kann auch verwendet werden, wie im BBC Concert Orchestra und im RTÉ Concert Orchestra.
Beethovens Einfluss [ edit ]
Das sogenannte "Standard-Komplement" aus doppeltem Blas- und Blasorchester im Orchester aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wird im Allgemeinen den Kräften zugeschrieben Beethoven Zitat benötigt Die Instrumentierung des Komponisten umfasste fast immer paarweise Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte, Hörner und Trompeten. Ausnahmen bilden seine Sinfonie Nr. 4, das Violinkonzert und das Klavierkonzert Nr. 4, die jeweils eine einzige Flöte angeben. Beethoven hat die Ausdehnung dieser besonderen "Palette" in den Sinfonien 3, 5, 6 und 9 sorgfältig für einen innovativen Effekt berechnet. Das dritte Horn der Sinfonie "Eroica" sorgt nicht nur für harmonische Flexibilität, sondern auch für die Wirkung von "Chor" -Zupfer im Trio-Satz. Piccolo, Kontrafagott und Posaunen tragen zum triumphalen Finale seiner 5. Sinfonie bei. Ein Piccolo und ein Paar Posaunen sorgen für Sturm und Sonnenschein in der Sixth, auch Pastoral Symphony genannt. Der Neunte verlangt nach einem zweiten Hörnerpaar, aus ähnlichen Gründen wie "Eroica" (vier Hörner sind inzwischen Standard); Beethovens Verwendung von Piccolo, Kontrafagott, Posaunen und ungestimmter Perkussion sowie Chor und Gesangssolisten war in seinem Finale der früheste Hinweis, dass die Timbralgrenzen der Sinfonie erweitert werden könnten. Die sinfonische Instrumentation hielt sich einige Jahrzehnte nach seinem Tod bis auf wenige Ausnahmen an Beethovens etabliertes Modell. [] Zitat erforderlich ]
Erweiterte Instrumentierung edit ]] Neben dem Kernorchester-Komplement sind gelegentlich auch andere Instrumente erforderlich. [5] Dazu gehören das Flügelhorn und das Kornett. Saxophone und klassische Gitarren sind beispielsweise in einigen Partituren des 19. bis 21. Jahrhunderts zu finden. Während das Solo-Instrument in einigen Werken nur als vorgestellte Soloinstrumente auftauchte, beispielsweise Maurice Ravels Orchestrierung von Modest Mussorgskys Pictures at a Exhibition und Sergei Rachmaninoffs Symphonic Dances ist das Saxophon in anderen Werken enthalten, z als Ravels Boléro Sergei Prokofievs Romeo und Julia Suites 1 und 2, Vaughan Williams 'Sinfonien Nr. 6 und 9 und William Waltons Belshazzars Fest sowie viele andere Werke als Mitglied der Band Orchesterensemble. Das Euphonium ist in einigen spätromantischen und im 20. Jahrhundert entstandenen Werken zu sehen, die meistens als Tenor-Tuba bezeichnet werden, darunter Gustav Holsts The Planets und Richard Strauss Ein Heldenleben . Die Wagner-Tuba, ein modifiziertes Mitglied der Hornfamilie, erscheint in Richard Wagners Zyklus Der Ring des Nibelungen und mehreren anderen Werken von Strauss, Béla Bartók und anderen; In Anton Bruckners Sinfonie Nr. 7 in E-Dur spielt er eine herausragende Rolle. [6] Cornets erscheinen in Pjotr Iljitsch Tschaikowskys Ballett Swan Lake Claude Debussys La Mer und mehreren Orchesterwerken von Hector Berlioz. Wenn diese Instrumente nicht von Mitgliedern gespielt werden, die auf einem anderen Instrument "verdoppelt" werden (zum Beispiel ein Posaunist, der zu Euphonium wechselt, oder ein Fagottist, der für eine bestimmte Passage zu Kontrafagott wechselt), stellen Orchester normalerweise freiberufliche Musiker ein, um ihr reguläres Ensemble zu verstärken.
Das Orchester des 20. Jahrhunderts war weitaus flexibler als seine Vorgänger. [7] Zu Beethovens und Felix Mendelssohns Zeit bestand das Orchester aus einem recht normalen Kern von Instrumenten, der sehr selten von Komponisten modifiziert wurde. Im Laufe der Zeit und in der Romantik erlebten die Komponisten wie Berlioz und Mahler eine akzeptierte Modifikation. Einige Komponisten verwendeten mehrere Harfen und Soundeffekte wie die Windmaschine. Während des 20. Jahrhunderts wurde das moderne Orchester im Allgemeinen mit den unten aufgeführten modernen Instrumenten vereinheitlicht. Mit der Entwicklung der zeitgenössischen klassischen Musik konnte die Instrumentierung jedoch von Mitte bis Ende des 20. Jahrhunderts praktisch vom Komponisten handverlesen werden (z. B. um elektrische Instrumente wie E-Gitarre, elektronische Instrumente wie Synthesizer, Nicht-Western) Instrumente oder andere Instrumente, die traditionell nicht im Orchester verwendet werden).
Vor diesem Hintergrund kann das Orchester in fünf Perioden analysiert werden: Barock, Klassik, Früh- / Mittelromantische Musik, Spätromantik / Frühes 20. Jahrhundert und 21. Jahrhundert. Das erste ist ein Barockorchester (z. B. JS Bach, Händel, Vivaldi), das in der Regel eine geringere Anzahl von Interpreten hatte und in dem ein oder mehrere Akkordinstrumente die Basso-Continuo-Gruppe (z. B. Cembalo oder Pfeifenorgel und gemischt) enthalten Bassinstrumente zur Ausführung der Bassline) spielten eine wichtige Rolle; das zweite ist ein typisches klassisches Orchester (z. B. das frühe Beethoven zusammen mit Mozart und Haydn), das eine kleinere Gruppe von Interpreten als ein romantisches Musikorchester und eine ziemlich standardisierte Instrumentierung verwendete; der dritte ist typisch für eine frühe / mittlere Romantik (z. B. Schubert, Berlioz, Schumann); Das vierte ist ein spätromantisches / frühes 20. Jahrhundert-Orchester (z. B. Wagner, Brahms, Mahler, Strawinsky) zur gemeinsamen Ergänzung eines modernen Orchesters aus der Zeit 2010 (z. B. Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki).
Spätbarockorchester [ edit ]
Klassisches Orchester [ bearbeiten
Frühromantisches Orchester [2] bearbeiten ]
Spätromantisches Orchester [ edit ]
Modernes Orchester [ bearbeiten ]
Organisation [2] bearbeiten ]
Unter den Instrumentengruppen und innerhalb jeder Instrumentengruppe gibt es eine allgemein akzeptierte Hierarchie. Jede Instrumentalgruppe (oder Sektion) hat einen Principal der allgemein für die Leitung der Gruppe und das Spielen von Orchestersoli verantwortlich ist. Die Violinen sind in zwei Gruppen unterteilt, erste Violine und zweite Violine, wobei die zweiten Violinen in niedrigeren Registern als die ersten Violinen spielen, einen Begleitpart spielen oder die Melodie der ersten Violinen harmonisieren. Die erste erste Geige wird als Konzertmeister (oder "Leader" in Großbritannien) bezeichnet und gilt nicht nur als Anführer der Streicher, sondern als Stellvertreter des gesamten Orchesters, nur hinter dem Dirigenten. Der Concertmaster leitet das Pre-Concert-Tuning und kümmert sich um die musikalischen Aspekte des Orchestermanagements, z. B. das Bestimmen der Beugungen für die Violinen oder für den gesamten Saitenabschnitt. Der Konzertmeister sitzt normalerweise links vom Dirigenten, dem Publikum am nächsten. Es gibt auch eine zweite Geige, eine Hauptbratsche, ein Hauptcello und einen Hauptbass.
Die Hauptposaune gilt als Anführer der niedrigen Bläsersektion, während die Hauptposaune allgemein als Anführer der gesamten Bläsersektion gilt. Während die Oboe oft die Stimmnote für das Orchester bereitstellt (aufgrund der 300 Jahre alten Konvention), ist zwar kein Hauptdirektor der Anführer der Holzbläser, obwohl in Holzbläserensembles, oft die Flöte der Anführer ist. [8] mit den anderen gleich bei musikalischen Meinungsverschiedenheiten. Die meisten Sektionen haben auch einen stellvertretenden Schulleiter (oder Co-Principal oder Associate Principal) oder, im Falle der ersten Violinen, einen stellvertretenden Konzertmeister, der oft eine Tutti-Rolle spielt und in seiner Abwesenheit den Principal ersetzt.
Ein Abteilungsstreicher spielt im Einklang mit dem Rest der Sektion, außer im Fall von geteilten ( divisi ) - Parts, bei denen obere und untere Parts der Musik oft "draußen" zugeordnet werden ( näher beim Publikum) und "innen" sitzende Spieler. Wenn ein Solopart in einem Streicherabschnitt verlangt wird, spielt der Abschnittsleiter diesen Part ausnahmslos. Der Sektionsleiter (oder Principal) einer Streichersektion ist auch für die Bestimmung der Durchbiegung verantwortlich, häufig basierend auf den vom Konzertleiter festgelegten Verbiegungen. In einigen Fällen kann das Prinzip eines Saitenabschnitts eine etwas andere Beugung als der Concertmaster verwenden, um den Erfordernissen des Spielens ihres Instruments (z. B. des Kontrabassabschnitts) Rechnung zu tragen. Die Principals eines Saitenabschnitts führen auch Eingänge für ihren Abschnitt, normalerweise durch Anheben des Bogens vor dem Eingang, um sicherzustellen, dass der Abschnitt zusammenspielt. Tuttis Bläser und Blechbläser spielen im Allgemeinen eine einzigartige Rolle, die jedoch nicht solo ist. Abschnittspercussionisten spielen die vom Hauptpercussionisten zugewiesenen Parts.
In der heutigen Zeit werden die Musiker normalerweise von einem Dirigenten geleitet, obwohl die frühen Orchester keinen hatten, und diese Rolle wurde stattdessen dem Konzertmeister oder dem Cembalisten übertragen, der das Continuo spielt. Einige moderne Orchester verzichten auch auf Dirigenten, insbesondere auf kleinere Orchester und solche, die sich auf historisch genaue Aufführungen (sogenannte "Perioden") von Barock und früherer Musik spezialisiert haben.
Das am häufigsten gespielte Repertoire eines Sinfonieorchesters ist westliche klassische Musik oder Oper. Orchester werden jedoch manchmal in populärer Musik (z. B. zur Begleitung einer Rock- oder Popband in einem Konzert), umfangreich in Filmmusik und zunehmend auch in Videospielemusik verwendet. Orchester werden auch im symphonischen Metal-Genre verwendet. Der Begriff "Orchester" kann auch auf ein Jazz-Ensemble angewendet werden, beispielsweise bei der Aufführung von Big-Band-Musik.
Auswahl und Ernennung von Mitgliedern [ edit ]
In den 2000er Jahren probten alle fest angestellten Mitglieder eines Berufsorchesters normalerweise Positionen für das Ensemble aus. In der Regel spielen die Darsteller ein oder mehrere Solostücke nach Wahl des Hörspielteilnehmers, beispielsweise einen Satz eines Konzerts, einen Bach-Solorsatz und verschiedene Ausschnitte aus der Orchesterliteratur, die auf dem Poster für die Hörprobe angekündigt werden (damit sich die Hörenden vorbereiten können). Die Ausschnitte sind typischerweise die technisch anspruchsvollsten Parts und Soli aus der Orchesterliteratur. Orchesterproben finden in der Regel vor einem Panel statt, das den Dirigenten, den Konzertmeister, den Hauptspieler der Sektion, für die sich der Hörer bewirbt, und möglicherweise andere Hauptspieler und ordentliche Orchestermitglieder einschließt.
Die vielversprechendsten Kandidaten aus der ersten Runde der Castings werden zu einer zweiten oder dritten Casting-Runde eingeladen, bei der der Dirigent und das Panel die besten Kandidaten miteinander vergleichen können. Darsteller können gebeten werden, Orchestermusik zu lesen. Die letzte Phase des Auditionsprozesses in einigen Orchestern ist eine Testwoche in der der Performer ein oder zwei Wochen mit dem Orchester spielt, in der der Dirigent und die Hauptakteure sehen können, ob das Individuum gut funktionieren kann in einer tatsächlichen Probe- und Performance-Umgebung.
Es gibt eine Reihe unterschiedlicher Beschäftigungsvereinbarungen. Die gefragtesten Positionen sind dauerhafte, dauerhafte Positionen im Orchester. Orchester beauftragen Musiker auch mit Verträgen, deren Länge von einem einzelnen Konzert bis zu einer ganzen Saison oder mehr reicht. Vertragskünstler können für Einzelkonzerte engagiert werden, wenn das Orchester außergewöhnlich große Orchesterwerke der spätromantischen Epoche verrichtet, oder als Ersatz für ein ständiges Mitglied, das krank ist. Ein professioneller Musiker, der für ein einzelnes Konzert eingesetzt wird, wird manchmal als "Sub" bezeichnet. Einige Vertragsmusiker können eingestellt werden, um ständige Mitglieder für den Zeitraum, in dem das ständige Mitglied Elternurlaub oder Invaliditätsurlaub ist, zu ersetzen.
Geschlecht der Ensembles [ edit ]
In der Vergangenheit waren die wichtigsten Berufsorchester hauptsächlich oder vollständig aus männlichen Musikern zusammengesetzt. Die ersten weiblichen Mitglieder, die in professionellen Orchestern eingestellt wurden, waren Harfenisten. Die Wiener Philharmoniker zum Beispiel akzeptierten Frauen erst 1997 für eine dauerhafte Mitgliedschaft, viel später als vergleichbare Orchester (die anderen Orchester waren 2008 von Gramophone unter den ersten fünf der Welt). [9] The last major Das Orchester, das eine Frau in eine feste Anstellung berufen sollte, waren die Berliner Philharmoniker. [10] Im Februar 1996 erklärte Dieter Flury, die wichtigste Flöte der Wiener Philharmoniker, dem Westdeutschen Rundfunk Frauen zu akzeptieren, würde "mit der emotionalen Einheit spielen" ( emotionelle Geschlossenheit ), die dieser Organismus derzeit hat ". [11] Im April 1996 schrieb der Pressesekretär des Orchesters, dass" ein Ausgleich des erwarteten Abwesenheitsurlaubs "des Mutterschaftsurlaubs ein Problem darstellen würde. [12]
1997 wurden die Wiener Philharmoniker "während einer Tournee [US] der Nationalen Organisation für Frauen und der Internationalen Allianz für Frauen in Musik" protestiert. Schließlich "versammelten sich die Mitglieder des Orchesters [on 28 February 1997] zu einer außerordentlichen Sitzung am Vorabend ihrer Abreise und erklärten sich damit einverstanden, eine Frau, Anna Lelkes, als Harfenistin aufzunehmen" [13] ] Seit 2013 hat das Orchester sechs weibliche Mitglieder; eine von ihnen, die Violinistin Albena Danailova, wurde 2008 einer der Konzertmeister des Orchesters und war die erste Frau, die diese Position innehatte. [14] Im Jahr 2012 waren Frauen 6% der Mitglieder des Orchesters. VPO-Präsident Clemens Hellsberg sagte, der VPO wende jetzt vollständig gesperrte Blind-Castings an. [15]
In einem Artikel in gab Mother Jones an, dass "[m] irgendwelche prestigeträchtigen Orchester." Deutsch:. Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art ... = 118 & lang = en Es gibt eine bedeutende weibliche Mitgliedschaft - Frauen sind mehr als Männer in der Violinsektion des New Yorker Philharmonikers - und mehrere renommierte Ensembles, darunter das National Symphony Orchestra, das Detroit Symphony Orchestra und das Minnesota Symphony Orchestra, werden von Violinistinnen geleitet, "Kontrabass", "Brass" und "Brass" Schlagzeugabschnitte der großen Orchester "... sind immer noch vorwiegend männlich." [16] In einem Artikel von BBC aus dem Jahr 2014 wurde die Einführung von "blinden" Auditions aufgeführt, bei denen ein potenzieller Instrumentalist hinter einem Bildschirm auftritt, so dass die Jury dies tun kann kein Geschlecht oder rassische Vorurteile ausüben, hat sich das Gleichgewicht der Geschlechter von traditionell männlich dominierten Sinfonieorchestern allmählich verschoben. "[17]
Amateurensembles [ edit ]
There a Auch eine Vielzahl von Amateurorchestern:
- Schulorchester: Diese Orchester bestehen aus Schülern einer Grund- oder Sekundarschule. Sie können Schüler eines Musikunterrichts oder -programms sein oder aus dem gesamten Schulkörper stammen. Schulorchester werden in der Regel von einem Musiklehrer geleitet.
- Universitäts- oder Konservatoriumsorchester: Diese Orchester bestehen aus Studenten einer Universität oder eines Musikkonservatoriums. In einigen Fällen stehen Universitätsorchester allen Studierenden einer Universität aus allen Studiengängen offen. Größere Universitäten verfügen möglicherweise über zwei oder mehr Universitätsorchester: ein oder mehrere Orchester, die sich aus Musik-Majors zusammensetzen (oder für große Musikprogramme mehrere Hauptmusikorchester (geordnet nach Qualifikationsniveau)) und ein zweites Orchester, das Universitätsstudenten aller akademischen Einrichtungen offen steht Programme (z. B. Wissenschaft, Wirtschaft usw.), die bereits Erfahrung mit klassischer Musik auf einem Orchesterinstrument haben. Universitäts- und Konservatorium-Orchester werden von einem Dirigenten geleitet, der normalerweise Professor oder Ausbilder an der Universität oder dem Konservatorium ist.
- Jugendorchester: Diese Orchester bestehen aus Jugendlichen und jungen Erwachsenen, die aus einer ganzen Stadt oder Region stammen. Die Altersspanne in Jugendorchestern variiert zwischen verschiedenen Ensembles. In einigen Fällen können Jugendorchester Jugendliche oder junge Erwachsene aus einem ganzen Land umfassen (z. B. Kanadas Nationales Jugendorchester).
- Gemeinschaftsorchester: Diese Orchester bestehen aus Amateurkünstlern, die aus einer ganzen Stadt oder Region stammen. Gemeinschaftsorchester bestehen in der Regel hauptsächlich aus erwachsenen Amateurmusikern. Community-Orchester reichen von Anfänger-Orchestern, die Musik ohne formelle Darbietungen vor Publikum üben, über Ensembles auf mittlerem Niveau bis hin zu fortgeschrittenen Amateurgruppen, die ein professionelles Repertoire für professionelle Orchester spielen. In einigen Fällen können Musik- oder Musikstudenten der Universität oder des Konservatoriums Mitglieder von Gemeinschaftsorchestern sein. Während die Mitglieder des Gemeinschaftsorchesters meistens unbezahlte Amateure sind, kann in einigen Orchestern eine kleine Anzahl von Fachkräften als Hauptakteure und Sektionsführer eingestellt werden.
Repertoire und Aufführungen [
] Orchester spielen ein breites Repertoire, das von Tanzsuiten des 17. Jahrhunderts, Divertimentos des 18. Jahrhunderts bis zu Filmmusiken des 20. Jahrhunderts und Sinfonien des 21. Jahrhunderts reicht. Orchester sind zum Synonym für die Sinfonie geworden, eine erweiterte musikalische Komposition in der westlichen klassischen Musik, die typischerweise mehrere Sätze enthält, die kontrastierende Klänge und Tempi liefern. Sinfonien sind in einer Partitur notiert, die alle Instrumentstimmen enthält. Der Dirigent verwendet die Partitur, um die Sinfonie vor den Proben zu studieren und über ihre Interpretation zu entscheiden (z. B. Tempi, Artikulation, Phrasierung usw.), und um die Musik während der Proben und Konzerte zu verfolgen, während er das Ensemble leitet. Orchestermusiker spielen aus Parts, die nur die notierte Musik für ihr Instrument enthalten. Eine kleine Anzahl von Sinfonien enthält auch Gesangsteile (z. B. Beethovens Neunte Sinfonie).
Orchester führen auch Ouvertüren durch, ein Begriff, der ursprünglich für die instrumentale Einführung in eine Oper verwendet wurde. [18] In der frühen Romantik begannen Komponisten wie Beethoven und Mendelssohn, den Begriff zu verwenden, um sich auf eigenständige, selbstständige Instrumentalinstrumente zu beziehen. programmatische Werke, die Genres wie das symphonische Gedicht vorhersagten, eine von Franz Liszt in mehreren Werken entwickelte Form, die als dramatische Ouvertüren begann. Diese sollten "zunächst zweifellos an der Spitze eines Programms gespielt werden". [18] In den 1850er Jahren wurde die Konzertouvertüre durch das symphonische Gedicht verdrängt.
Orchester spielen auch mit Instrumentalsolisten in Konzerten. Während der Konzerte spielt das Orchester dem Solisten (z. B. einem Solo-Violinisten oder Pianisten) eine Begleitrolle und führt manchmal musikalische Themen oder Zwischenspiele ein, während der Solist nicht spielt. Orchester spielen auch bei Opern, Balletten, einigen Musiktheaterwerken und einigen Chorwerken (beides sakrale Werke wie Messen und weltliche Werke). In Opern und Balletten begleitet das Orchester die Sänger und Tänzer und spielt Ouvertüren und Zwischenspiele, bei denen die Melodien des Orchesters im Mittelpunkt stehen.
Aufführungen [ edit ]
Im Barock traten Orchester an verschiedenen Orten auf, unter anderem in den schönen Häusern von Aristokraten, in Opernhäusern und in Kirchen. Einige wohlhabende Aristokraten hatten auf ihrem Landsitz ein Orchester, um sie und ihre Gäste mit Auftritten zu unterhalten. Während sich die Komponisten in der Klassik zunehmend nach finanzieller Unterstützung aus der breiten Öffentlichkeit suchten, wurden in öffentlichen Konzertsälen zunehmend Orchesterkonzerte abgehalten, in denen Musikliebhaber Eintrittskarten für das Orchester kaufen konnten. Natürlich gab es während der klassischen Epoche immer wieder die Schirmherrschaft der Orchester, diesmal aber auch öffentliche Konzerte. Im 20. und 21. Jahrhundert haben Orchester einen neuen Mäzen gefunden: Regierungen. Viele Orchester in Nordamerika und Europa erhalten einen Teil ihrer Finanzierung von Regierungen auf nationaler, regionaler Ebene (z. B. den Regierungen der USA in den USA) oder den Stadtregierungen. Diese staatlichen Subventionen machen einen Teil der Einnahmen des Orchesters aus, zusammen mit dem Verkauf von Eintrittskarten, Spenden für wohltätige Zwecke (wenn das Orchester als Wohltätigkeitsorganisation registriert ist) und anderen Spendenaktionen. Mit der Erfindung aufeinanderfolgender Technologien, einschließlich Tonaufzeichnung, Rundfunk, Fernsehen und Internet-Streaming und Herunterladen von Konzertvideos, konnten Orchester neue Einnahmequellen finden.
Ausgaben in der Performance [ edit ]
Faking [ edit ]
Einer der "großen unmentionierbaren [topics] des Orchestralplayings" ist "Fakeing", der Vorgang, durch den ein Orchestermusiker den "... Eindruck macht, jede Note wie geschrieben zu spielen", normalerweise für eine sehr anspruchsvolle Passage, die sehr hoch oder sehr schnell ist, während sie nicht tatsächlich die Noten spielt, die sich darin befinden der gedruckte Musikteil. [19] Ein Artikel in The Strad besagt, dass alle Orchestermusiker, auch diejenigen in den Top-Orchestern, gelegentlich bestimmte Passagen "fälschen". [19] Ein Grund dafür, dass Musiker "fake" sind weil es nicht genug Proben gibt. [19] Ein weiterer Faktor sind die extremen Herausforderungen in den zeitgenössischen Werken des 20. Jahrhunderts und des 21. Jahrhunderts; Fachleute, die von der Zeitschrift interviewt wurden, sagten, "Fälschen" sei "... in zehn bis fast neunzig Prozent einiger moderner Werke notwendig." [19] Die befragten Profispieler waren sich einig, dass Fälschen akzeptabel sein kann, wenn ein Teil dazu gehört nicht gut für das Instrument geschrieben, aber "nur, weil Sie nicht geübt haben", ist die Musik nicht akzeptabel. [1965900] Geschichte
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Instrumentelle Technik edit ]
Die Erfindung der Kolben und Drehschieber durch die beiden Schlesier Heinrich Stölzel und Friedrich Blühmel im Jahr 1815 war die erste einer Reihe von Neuerungen, die das Orchester beeinflussten, einschließlich der Entwicklung moderner Schlüsselwerke für die Flöte von Theobald Boehm und die Innovationen von Adolphe Sax in den Holzbläsern, insbesondere die Erfindung des Saxophons, würde Hector Berlioz dazu führen, ein wegweisendes Buch über die Instrumentierung zu schreiben, das die erste systematische Abhandlung über den Einsatz war Instrumentalklang als Ausdruckselement der Musik. [20]
Wagners Einfluss [ edit ]
Die nächste große Erweiterung der Sinfonik-Praxis kam von Richard Wagners Bayreuth-Orchester, das zur Begleitung seiner musikalischen Dramen gegründet wurde. Wagners Arbeiten für die Bühne wurden mit beispiellosem Umfang und Komplexität gewertet: In seiner Partitur zu Das Rheingold sind sechs Harfen gefordert. So sah Wagner eine immer anspruchsvollere Rolle für den Dirigenten des Theaterorchesters, wie er in seinem einflussreichen Werk On Conducting . [21] ausführte. Dies führte zu einer Revolution in der Orchesterkomposition und setzte die Orchesterstil für die nächsten achtzig Jahre. Wagners Theorien untersuchten erneut die Bedeutung von Tempo, Dynamik, Beugung von Streichinstrumenten und die Rolle von Principals im Orchester. Dirigenten, die sich mit seinen Methoden beschäftigten, würden weiterhin selbst einflussreich sein. [ vage ]
Orchester des 20. Jahrhunderts [
Jahrhundert dämmerte, Sinfonieorchester waren größer, besser finanziert und besser ausgebildet als je zuvor; Komponisten könnten folglich größere und ehrgeizigere Werke komponieren. Der Einfluss von Gustav Mahler war besonders innovativ; In seinen späteren Sinfonien, wie der Mammut-Sinfonie Nr. 8, stößt Mahler mit extremen Kräften bis an die Grenzen der Orchestergröße vor. In der spätromantischen Zeit konnten Orchester die gewaltigsten Formen des symphonischen Ausdrucks unterstützen, mit riesigen Streichern, massiven Bläsern und einem erweiterten Angebot an Schlaginstrumenten. Mit Beginn der Aufnahmezeit wurden die Leistungsstandards auf ein neues Niveau gehoben, weil eine aufgezeichnete Sinfonie genau zugehört werden konnte und selbst kleinere Fehler in der Intonation oder im Ensemble, die bei einer Live-Aufführung nicht wahrgenommen werden könnten, von Kritikern gehört werden konnten . Da sich die Aufnahmetechnologien im 20. und 21. Jahrhundert verbessert haben, können kleine Fehler in einer Aufnahme durch Audio-Editing oder Overdubbing "behoben" werden. Einige ältere Dirigenten und Komponisten erinnerten sich an eine Zeit, als es einfach war, die Musik so gut wie möglich durchzubringen. Kombiniert mit dem größeren Publikum, das durch Aufnahmen möglich wurde, führte dies zu einem erneuten Fokus auf bestimmte Dirigenten und zu einem hohen Standard der Orchesterausführung. [22]
Counter-Revolution [ ]
Mit dem Aufkommen der frühen Musikbewegung wurden kleinere Orchester, in denen Spieler an der Ausführung von Werken arbeiteten, in Stilen, die aus dem Studium älterer Abhandlungen über das Spielen abgeleitet wurden, üblich. Dazu gehören unter anderem das Orchester des Zeitalters der Aufklärung, die London Classical Players unter der Leitung von Sir Roger Norrington und die Academy of Ancient Music unter Christopher Hogwood. Zitierbedarf
Neueste Trends in den Vereinigten Staaten [ edit ]
In den Vereinigten Staaten erlebte das späte 20. Jahrhundert eine Krise der Finanzierung und Unterstützung von Orchestern. Die Größe und die Kosten eines Sinfonieorchesters, verglichen mit der Größe der Unterstützer, wurden zu einem Thema, das den Kern der Institution ansprach. Nur wenige Orchester konnten Auditorien füllen, und das altehrwürdige Saisonabonnementsystem wurde zunehmend anachronistisch, da immer mehr Hörer ad hoc Tickets für einzelne Veranstaltungen kauften. Orchestral endowments and—more centrally to the daily operation of American orchestras—orchestral donors have seen investment portfolios shrink or produce lower yields, reducing the ability of donors to contribute; further, there has been a trend toward donors finding other social causes more compelling. Also, while government funding is less central to American than European orchestras, cuts in such funding are still significant for American ensembles. Finally, the drastic falling-off of revenues from recording, tied to no small extent to changes in the recording industry itself, began a period of change that has yet to reach its conclusion.
U.S. orchestras that have gone into Chapter 11 bankruptcy include the Philadelphia Orchestra (in April 2011), and the Louisville Orchestra, in December 2010; orchestras that have gone into Chapter 7 bankruptcy and have ceased operations include the Northwest Chamber Orchestra in 2006, the Honolulu Orchestra in March 2011, the New Mexico Symphony Orchestra in April 2011, and the Syracuse Symphony in June 2011. The Festival of Orchestras in Orlando, Florida ceased operations at the end of March, 2011.
One source of financial difficulties that received notice and criticism was high salaries for music directors of US orchestras,[23] which led several high-profile conductors to take pay cuts in recent years.[24][25][26] Music administrators such as Michael Tilson Thomas and Esa-Pekka Salonen argued that new music, new means of presenting it, and a renewed relationship with the community could revitalize the symphony orchestra. The American critic Greg Sandow has argued in detail that orchestras must revise their approach to music, performance, the concert experience, marketing, public relations, community involvement, and presentation to bring them in line with the expectations of 21st-century audiences immersed in popular culture.
It is not uncommon for contemporary composers to use unconventional instruments, including various synthesizers, to achieve desired effects. Many, however, find more conventional orchestral configuration to provide better possibilities for color and depth. Composers like John Adams often employ Romantic-size orchestras, as in Adams' opera Nixon in China; Philip Glass and others may be more free, yet still identify size-boundaries. Glass in particular has recently turned to conventional orchestras in works like the Concerto for Cello and Orchestra and the Violin Concerto No. 2.
Along with a decrease in funding, some U.S. orchestras have reduced their overall personnel, as well as the number of players appearing in performances. The reduced numbers in performance are usually confined to the string section, since the numbers here have traditionally been flexible (as multiple players typically play from the same part).
Role of conductor[edit]
Conducting is the art of directing a musical performance, such as an orchestral or choral concert. The primary duties of the conductor are to set the tempo, ensure correct entries by various members of the ensemble, and to "shape" the phrasing where appropriate.[27] To convey their ideas and interpretation, a conductor communicates with their musicians primarily through hand gestures, typically though not invariably with the aid of a baton, and may use other gestures or signals, such as eye contact with relevant performers.[28] A conductor's directions will almost invariably be supplemented or reinforced by verbal instructions or suggestions to their musicians in rehearsal prior to a performance.[28]
The conductor typically stands on a raised podium with a large music stand for the full score, which contains the musical notation for all the instruments and voices. Since the mid-18th century, most conductors have not played an instrument when conducting,[citation needed] although in earlier periods of classical music history, leading an ensemble while playing an instrument was common. In Baroque music from the 1600s to the 1750s, the group would typically be led by the harpsichordist or first violinist (see concertmaster), an approach that in modern times has been revived by several music directors for music from this period. Conducting while playing a piano or synthesizer may also be done with musical theatre pit orchestras. Communication is typically non-verbal during a performance (this is strictly the case in art music, but in jazz big bands or large pop ensembles, there may be occasional spoken instructions, such as a "count in"). However, in rehearsals, frequent interruptions allow the conductor to give verbal directions as to how the music should be played or sung.
Conductors act as guides to the orchestras or choirs they conduct. They choose the works to be performed and study their scores, to which they may make certain adjustments (e.g., regarding tempo, articulation, phrasing, repetitions of sections, and so on), work out their interpretation, and relay their vision to the performers. They may also attend to organizational matters, such as scheduling rehearsals,[29] planning a concert season, hearing auditions and selecting members, and promoting their ensemble in the media. Orchestras, choirs, concert bands and other sizable musical ensembles such as big bands are usually led by conductors.
Conductorless orchestras[edit]
In the Baroque music era (1600–1750), most orchestras were led by one of the musicians, typically the principal first violin, called the concertmaster. The concertmaster would lead the tempo of pieces by lifting his or her bow in a rhythmic manner. Leadership might also be provided by one of the chord-playing instrumentalists playing the basso continuo part which was the core of most Baroque instrumental ensemble pieces. Typically, this would be a harpsichord player, a pipe organist or a luteist or theorbo player. A keyboard player could lead the ensemble with his or her head, or by taking one of the hands off the keyboard to lead a more difficult tempo change. A lutenist or theorbo player could lead by lifting the instrument neck up and down to indicate the tempo of a piece, or to lead a ritard during a cadence or ending. In some works which combined choirs and instrumental ensembles, two leaders were sometimes used: a concertmaster to lead the instrumentalists and a chord-playing performer to lead the singers. During the Classical music period (ca. 1720–1800), the practice of using chordal instruments to play basso continuo was gradually phased out, and it disappeared completely by 1800. Instead, ensembles began to use conductors to lead the orchestra's tempos and playing style, while the concertmaster played an additional leadership role for the musicians, especially the string players, who imitate the bowstroke and playing style of the concertmaster, to the degree that is feasible for the different stringed instruments.
In 1922, the idea of a conductor-less orchestra was revived in post-revolutionary Soviet Union. The symphony orchestra Persimfans was formed without a conductor, because the founders believed that the ensemble should be modeled on the ideal Marxist state, in which all people are equal. As such, its members felt that there was no need to be led by the dictatorial baton of a conductor; instead they were led by a committee, which determined tempos and playing styles. Although it was a partial success within the Soviet Union, the principal difficulty with the concept was in changing tempo during performances, because even if the committee had issued a decree about where a tempo change should take place, there was no leader in the ensemble to guide this tempo change. The orchestra survived for ten years before Stalin's cultural politics disbanded it by taking away its funding.[30]
In Western nations, some ensembles, such as the Orpheus Chamber Orchestra, based in New York City, have had more success with conductorless orchestras, although decisions are likely to be deferred to some sense of leadership within the ensemble (for example, the principal wind and string players, notably the concertmaster). Others have returned to the tradition of a principal player, usually a violinist, being the artistic director and running rehearsal and leading concerts. Examples include the Australian Chamber Orchestra, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson and the New Century Chamber Orchestra. As well, as part of the early music movement, some 20th and 21st century orchestras have revived the Baroque practice of having no conductor on the podium for Baroque pieces, using the concertmaster or a chord-playing basso continuo performer (e.g., harpsichord or organ) to lead the group.
Multiple conductors[edit]
Offstage instruments[edit]
Some orchestral works specify that an offstage trumpet should be used or that other instruments from the orchestra should be positioned off-stage or behind the stage, to create a haunted, mystical effect. To ensure that the offstage instrumentalist(s) play in time, sometimes a sub-conductor will be stationed offstage with a clear view of the principal conductor. Examples include the ending of "Neptune" from Gustav Holst's The Planets. The principal conductor leads the large orchestra, and the sub-conductor relays the principal conductor's tempo and gestures to the offstage musician (or musicians). One of the challenges with using two conductors is that the second conductor may get out of synchronization with the main conductor, or may mis-convey (or misunderstand) the principal conductor's gestures, which can lead to the offstage instruments being out of time. In the late 20th century and early 21st century, some orchestras use a video camera pointed at the principal conductor and a closed-circuit TV set in front of the offstage performer(s), instead of using two conductors.
Contemporary music[edit]
The techniques of polystylism and polytempo[31] music have led a few 20th and 21st century composers to write music where multiple orchestras or ensembles perform simultaneously. These trends have brought about the phenomenon of polyconductor music, wherein separate sub-conductors conduct each group of musicians. Usually, one principal conductor conducts the sub-conductors, thereby shaping the overall performance. In Percy Grainger's "The Warriors" which includes three conductors: the primary conductor of the orchestra, a secondary conductor directing an off-stage brass ensemble, and a tertiary conductor directing percussion and harp. One example in the late century orchestral music is Karlheinz Stockhausen's Gruppenfor three orchestras, which are placed around the audience. This way, the "sound masses" could be spacialized, as in an electroacoustic work. Gruppen was premiered in Cologne, in 1958, conducted by Stockhausen, Bruno Maderna and Pierre Boulez. It has been[when?] performed by Simon Rattle, John Carewe and Daniel Harding.
See also[edit]
Notes and references[edit]
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Conducting
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Bibliography[edit]
External links[edit]
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Neben dem Kernorchester-Komplement sind gelegentlich auch andere Instrumente erforderlich. [5] Dazu gehören das Flügelhorn und das Kornett. Saxophone und klassische Gitarren sind beispielsweise in einigen Partituren des 19. bis 21. Jahrhunderts zu finden. Während das Solo-Instrument in einigen Werken nur als vorgestellte Soloinstrumente auftauchte, beispielsweise Maurice Ravels Orchestrierung von Modest Mussorgskys Pictures at a Exhibition und Sergei Rachmaninoffs Symphonic Dances ist das Saxophon in anderen Werken enthalten, z als Ravels Boléro Sergei Prokofievs Romeo und Julia Suites 1 und 2, Vaughan Williams 'Sinfonien Nr. 6 und 9 und William Waltons Belshazzars Fest sowie viele andere Werke als Mitglied der Band Orchesterensemble. Das Euphonium ist in einigen spätromantischen und im 20. Jahrhundert entstandenen Werken zu sehen, die meistens als Tenor-Tuba bezeichnet werden, darunter Gustav Holsts The Planets und Richard Strauss Ein Heldenleben . Die Wagner-Tuba, ein modifiziertes Mitglied der Hornfamilie, erscheint in Richard Wagners Zyklus Der Ring des Nibelungen und mehreren anderen Werken von Strauss, Béla Bartók und anderen; In Anton Bruckners Sinfonie Nr. 7 in E-Dur spielt er eine herausragende Rolle. [6] Cornets erscheinen in Pjotr Iljitsch Tschaikowskys Ballett Swan Lake Claude Debussys La Mer und mehreren Orchesterwerken von Hector Berlioz. Wenn diese Instrumente nicht von Mitgliedern gespielt werden, die auf einem anderen Instrument "verdoppelt" werden (zum Beispiel ein Posaunist, der zu Euphonium wechselt, oder ein Fagottist, der für eine bestimmte Passage zu Kontrafagott wechselt), stellen Orchester normalerweise freiberufliche Musiker ein, um ihr reguläres Ensemble zu verstärken.
Das Orchester des 20. Jahrhunderts war weitaus flexibler als seine Vorgänger. [7] Zu Beethovens und Felix Mendelssohns Zeit bestand das Orchester aus einem recht normalen Kern von Instrumenten, der sehr selten von Komponisten modifiziert wurde. Im Laufe der Zeit und in der Romantik erlebten die Komponisten wie Berlioz und Mahler eine akzeptierte Modifikation. Einige Komponisten verwendeten mehrere Harfen und Soundeffekte wie die Windmaschine. Während des 20. Jahrhunderts wurde das moderne Orchester im Allgemeinen mit den unten aufgeführten modernen Instrumenten vereinheitlicht. Mit der Entwicklung der zeitgenössischen klassischen Musik konnte die Instrumentierung jedoch von Mitte bis Ende des 20. Jahrhunderts praktisch vom Komponisten handverlesen werden (z. B. um elektrische Instrumente wie E-Gitarre, elektronische Instrumente wie Synthesizer, Nicht-Western) Instrumente oder andere Instrumente, die traditionell nicht im Orchester verwendet werden).
Vor diesem Hintergrund kann das Orchester in fünf Perioden analysiert werden: Barock, Klassik, Früh- / Mittelromantische Musik, Spätromantik / Frühes 20. Jahrhundert und 21. Jahrhundert. Das erste ist ein Barockorchester (z. B. JS Bach, Händel, Vivaldi), das in der Regel eine geringere Anzahl von Interpreten hatte und in dem ein oder mehrere Akkordinstrumente die Basso-Continuo-Gruppe (z. B. Cembalo oder Pfeifenorgel und gemischt) enthalten Bassinstrumente zur Ausführung der Bassline) spielten eine wichtige Rolle; das zweite ist ein typisches klassisches Orchester (z. B. das frühe Beethoven zusammen mit Mozart und Haydn), das eine kleinere Gruppe von Interpreten als ein romantisches Musikorchester und eine ziemlich standardisierte Instrumentierung verwendete; der dritte ist typisch für eine frühe / mittlere Romantik (z. B. Schubert, Berlioz, Schumann); Das vierte ist ein spätromantisches / frühes 20. Jahrhundert-Orchester (z. B. Wagner, Brahms, Mahler, Strawinsky) zur gemeinsamen Ergänzung eines modernen Orchesters aus der Zeit 2010 (z. B. Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki).
Spätbarockorchester [ edit ]
Klassisches Orchester [ bearbeiten
Frühromantisches Orchester [2] bearbeiten ]
Spätromantisches Orchester [ edit ]
Modernes Orchester [ bearbeiten ]
Organisation [2] bearbeiten ]
Unter den Instrumentengruppen und innerhalb jeder Instrumentengruppe gibt es eine allgemein akzeptierte Hierarchie. Jede Instrumentalgruppe (oder Sektion) hat einen Principal der allgemein für die Leitung der Gruppe und das Spielen von Orchestersoli verantwortlich ist. Die Violinen sind in zwei Gruppen unterteilt, erste Violine und zweite Violine, wobei die zweiten Violinen in niedrigeren Registern als die ersten Violinen spielen, einen Begleitpart spielen oder die Melodie der ersten Violinen harmonisieren. Die erste erste Geige wird als Konzertmeister (oder "Leader" in Großbritannien) bezeichnet und gilt nicht nur als Anführer der Streicher, sondern als Stellvertreter des gesamten Orchesters, nur hinter dem Dirigenten. Der Concertmaster leitet das Pre-Concert-Tuning und kümmert sich um die musikalischen Aspekte des Orchestermanagements, z. B. das Bestimmen der Beugungen für die Violinen oder für den gesamten Saitenabschnitt. Der Konzertmeister sitzt normalerweise links vom Dirigenten, dem Publikum am nächsten. Es gibt auch eine zweite Geige, eine Hauptbratsche, ein Hauptcello und einen Hauptbass.
Die Hauptposaune gilt als Anführer der niedrigen Bläsersektion, während die Hauptposaune allgemein als Anführer der gesamten Bläsersektion gilt. Während die Oboe oft die Stimmnote für das Orchester bereitstellt (aufgrund der 300 Jahre alten Konvention), ist zwar kein Hauptdirektor der Anführer der Holzbläser, obwohl in Holzbläserensembles, oft die Flöte der Anführer ist. [8] mit den anderen gleich bei musikalischen Meinungsverschiedenheiten. Die meisten Sektionen haben auch einen stellvertretenden Schulleiter (oder Co-Principal oder Associate Principal) oder, im Falle der ersten Violinen, einen stellvertretenden Konzertmeister, der oft eine Tutti-Rolle spielt und in seiner Abwesenheit den Principal ersetzt.
Ein Abteilungsstreicher spielt im Einklang mit dem Rest der Sektion, außer im Fall von geteilten ( divisi ) - Parts, bei denen obere und untere Parts der Musik oft "draußen" zugeordnet werden ( näher beim Publikum) und "innen" sitzende Spieler. Wenn ein Solopart in einem Streicherabschnitt verlangt wird, spielt der Abschnittsleiter diesen Part ausnahmslos. Der Sektionsleiter (oder Principal) einer Streichersektion ist auch für die Bestimmung der Durchbiegung verantwortlich, häufig basierend auf den vom Konzertleiter festgelegten Verbiegungen. In einigen Fällen kann das Prinzip eines Saitenabschnitts eine etwas andere Beugung als der Concertmaster verwenden, um den Erfordernissen des Spielens ihres Instruments (z. B. des Kontrabassabschnitts) Rechnung zu tragen. Die Principals eines Saitenabschnitts führen auch Eingänge für ihren Abschnitt, normalerweise durch Anheben des Bogens vor dem Eingang, um sicherzustellen, dass der Abschnitt zusammenspielt. Tuttis Bläser und Blechbläser spielen im Allgemeinen eine einzigartige Rolle, die jedoch nicht solo ist. Abschnittspercussionisten spielen die vom Hauptpercussionisten zugewiesenen Parts.
In der heutigen Zeit werden die Musiker normalerweise von einem Dirigenten geleitet, obwohl die frühen Orchester keinen hatten, und diese Rolle wurde stattdessen dem Konzertmeister oder dem Cembalisten übertragen, der das Continuo spielt. Einige moderne Orchester verzichten auch auf Dirigenten, insbesondere auf kleinere Orchester und solche, die sich auf historisch genaue Aufführungen (sogenannte "Perioden") von Barock und früherer Musik spezialisiert haben.
Das am häufigsten gespielte Repertoire eines Sinfonieorchesters ist westliche klassische Musik oder Oper. Orchester werden jedoch manchmal in populärer Musik (z. B. zur Begleitung einer Rock- oder Popband in einem Konzert), umfangreich in Filmmusik und zunehmend auch in Videospielemusik verwendet. Orchester werden auch im symphonischen Metal-Genre verwendet. Der Begriff "Orchester" kann auch auf ein Jazz-Ensemble angewendet werden, beispielsweise bei der Aufführung von Big-Band-Musik.
Auswahl und Ernennung von Mitgliedern [ edit ]
In den 2000er Jahren probten alle fest angestellten Mitglieder eines Berufsorchesters normalerweise Positionen für das Ensemble aus. In der Regel spielen die Darsteller ein oder mehrere Solostücke nach Wahl des Hörspielteilnehmers, beispielsweise einen Satz eines Konzerts, einen Bach-Solorsatz und verschiedene Ausschnitte aus der Orchesterliteratur, die auf dem Poster für die Hörprobe angekündigt werden (damit sich die Hörenden vorbereiten können). Die Ausschnitte sind typischerweise die technisch anspruchsvollsten Parts und Soli aus der Orchesterliteratur. Orchesterproben finden in der Regel vor einem Panel statt, das den Dirigenten, den Konzertmeister, den Hauptspieler der Sektion, für die sich der Hörer bewirbt, und möglicherweise andere Hauptspieler und ordentliche Orchestermitglieder einschließt.
Die vielversprechendsten Kandidaten aus der ersten Runde der Castings werden zu einer zweiten oder dritten Casting-Runde eingeladen, bei der der Dirigent und das Panel die besten Kandidaten miteinander vergleichen können. Darsteller können gebeten werden, Orchestermusik zu lesen. Die letzte Phase des Auditionsprozesses in einigen Orchestern ist eine Testwoche in der der Performer ein oder zwei Wochen mit dem Orchester spielt, in der der Dirigent und die Hauptakteure sehen können, ob das Individuum gut funktionieren kann in einer tatsächlichen Probe- und Performance-Umgebung.
Es gibt eine Reihe unterschiedlicher Beschäftigungsvereinbarungen. Die gefragtesten Positionen sind dauerhafte, dauerhafte Positionen im Orchester. Orchester beauftragen Musiker auch mit Verträgen, deren Länge von einem einzelnen Konzert bis zu einer ganzen Saison oder mehr reicht. Vertragskünstler können für Einzelkonzerte engagiert werden, wenn das Orchester außergewöhnlich große Orchesterwerke der spätromantischen Epoche verrichtet, oder als Ersatz für ein ständiges Mitglied, das krank ist. Ein professioneller Musiker, der für ein einzelnes Konzert eingesetzt wird, wird manchmal als "Sub" bezeichnet. Einige Vertragsmusiker können eingestellt werden, um ständige Mitglieder für den Zeitraum, in dem das ständige Mitglied Elternurlaub oder Invaliditätsurlaub ist, zu ersetzen.
Geschlecht der Ensembles [ edit ]
In der Vergangenheit waren die wichtigsten Berufsorchester hauptsächlich oder vollständig aus männlichen Musikern zusammengesetzt. Die ersten weiblichen Mitglieder, die in professionellen Orchestern eingestellt wurden, waren Harfenisten. Die Wiener Philharmoniker zum Beispiel akzeptierten Frauen erst 1997 für eine dauerhafte Mitgliedschaft, viel später als vergleichbare Orchester (die anderen Orchester waren 2008 von Gramophone unter den ersten fünf der Welt). [9] The last major Das Orchester, das eine Frau in eine feste Anstellung berufen sollte, waren die Berliner Philharmoniker. [10] Im Februar 1996 erklärte Dieter Flury, die wichtigste Flöte der Wiener Philharmoniker, dem Westdeutschen Rundfunk Frauen zu akzeptieren, würde "mit der emotionalen Einheit spielen" ( emotionelle Geschlossenheit ), die dieser Organismus derzeit hat ". [11] Im April 1996 schrieb der Pressesekretär des Orchesters, dass" ein Ausgleich des erwarteten Abwesenheitsurlaubs "des Mutterschaftsurlaubs ein Problem darstellen würde. [12]
1997 wurden die Wiener Philharmoniker "während einer Tournee [US] der Nationalen Organisation für Frauen und der Internationalen Allianz für Frauen in Musik" protestiert. Schließlich "versammelten sich die Mitglieder des Orchesters [on 28 February 1997] zu einer außerordentlichen Sitzung am Vorabend ihrer Abreise und erklärten sich damit einverstanden, eine Frau, Anna Lelkes, als Harfenistin aufzunehmen" [13] ] Seit 2013 hat das Orchester sechs weibliche Mitglieder; eine von ihnen, die Violinistin Albena Danailova, wurde 2008 einer der Konzertmeister des Orchesters und war die erste Frau, die diese Position innehatte. [14] Im Jahr 2012 waren Frauen 6% der Mitglieder des Orchesters. VPO-Präsident Clemens Hellsberg sagte, der VPO wende jetzt vollständig gesperrte Blind-Castings an. [15]
In einem Artikel in gab Mother Jones an, dass "[m] irgendwelche prestigeträchtigen Orchester." Deutsch:. Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art ... = 118 & lang = en Es gibt eine bedeutende weibliche Mitgliedschaft - Frauen sind mehr als Männer in der Violinsektion des New Yorker Philharmonikers - und mehrere renommierte Ensembles, darunter das National Symphony Orchestra, das Detroit Symphony Orchestra und das Minnesota Symphony Orchestra, werden von Violinistinnen geleitet, "Kontrabass", "Brass" und "Brass" Schlagzeugabschnitte der großen Orchester "... sind immer noch vorwiegend männlich." [16] In einem Artikel von BBC aus dem Jahr 2014 wurde die Einführung von "blinden" Auditions aufgeführt, bei denen ein potenzieller Instrumentalist hinter einem Bildschirm auftritt, so dass die Jury dies tun kann kein Geschlecht oder rassische Vorurteile ausüben, hat sich das Gleichgewicht der Geschlechter von traditionell männlich dominierten Sinfonieorchestern allmählich verschoben. "[17]
Amateurensembles [ edit ]
There a Auch eine Vielzahl von Amateurorchestern:
- Schulorchester: Diese Orchester bestehen aus Schülern einer Grund- oder Sekundarschule. Sie können Schüler eines Musikunterrichts oder -programms sein oder aus dem gesamten Schulkörper stammen. Schulorchester werden in der Regel von einem Musiklehrer geleitet.
- Universitäts- oder Konservatoriumsorchester: Diese Orchester bestehen aus Studenten einer Universität oder eines Musikkonservatoriums. In einigen Fällen stehen Universitätsorchester allen Studierenden einer Universität aus allen Studiengängen offen. Größere Universitäten verfügen möglicherweise über zwei oder mehr Universitätsorchester: ein oder mehrere Orchester, die sich aus Musik-Majors zusammensetzen (oder für große Musikprogramme mehrere Hauptmusikorchester (geordnet nach Qualifikationsniveau)) und ein zweites Orchester, das Universitätsstudenten aller akademischen Einrichtungen offen steht Programme (z. B. Wissenschaft, Wirtschaft usw.), die bereits Erfahrung mit klassischer Musik auf einem Orchesterinstrument haben. Universitäts- und Konservatorium-Orchester werden von einem Dirigenten geleitet, der normalerweise Professor oder Ausbilder an der Universität oder dem Konservatorium ist.
- Jugendorchester: Diese Orchester bestehen aus Jugendlichen und jungen Erwachsenen, die aus einer ganzen Stadt oder Region stammen. Die Altersspanne in Jugendorchestern variiert zwischen verschiedenen Ensembles. In einigen Fällen können Jugendorchester Jugendliche oder junge Erwachsene aus einem ganzen Land umfassen (z. B. Kanadas Nationales Jugendorchester).
- Gemeinschaftsorchester: Diese Orchester bestehen aus Amateurkünstlern, die aus einer ganzen Stadt oder Region stammen. Gemeinschaftsorchester bestehen in der Regel hauptsächlich aus erwachsenen Amateurmusikern. Community-Orchester reichen von Anfänger-Orchestern, die Musik ohne formelle Darbietungen vor Publikum üben, über Ensembles auf mittlerem Niveau bis hin zu fortgeschrittenen Amateurgruppen, die ein professionelles Repertoire für professionelle Orchester spielen. In einigen Fällen können Musik- oder Musikstudenten der Universität oder des Konservatoriums Mitglieder von Gemeinschaftsorchestern sein. Während die Mitglieder des Gemeinschaftsorchesters meistens unbezahlte Amateure sind, kann in einigen Orchestern eine kleine Anzahl von Fachkräften als Hauptakteure und Sektionsführer eingestellt werden.
Repertoire und Aufführungen [
] Orchester spielen ein breites Repertoire, das von Tanzsuiten des 17. Jahrhunderts, Divertimentos des 18. Jahrhunderts bis zu Filmmusiken des 20. Jahrhunderts und Sinfonien des 21. Jahrhunderts reicht. Orchester sind zum Synonym für die Sinfonie geworden, eine erweiterte musikalische Komposition in der westlichen klassischen Musik, die typischerweise mehrere Sätze enthält, die kontrastierende Klänge und Tempi liefern. Sinfonien sind in einer Partitur notiert, die alle Instrumentstimmen enthält. Der Dirigent verwendet die Partitur, um die Sinfonie vor den Proben zu studieren und über ihre Interpretation zu entscheiden (z. B. Tempi, Artikulation, Phrasierung usw.), und um die Musik während der Proben und Konzerte zu verfolgen, während er das Ensemble leitet. Orchestermusiker spielen aus Parts, die nur die notierte Musik für ihr Instrument enthalten. Eine kleine Anzahl von Sinfonien enthält auch Gesangsteile (z. B. Beethovens Neunte Sinfonie).
Orchester führen auch Ouvertüren durch, ein Begriff, der ursprünglich für die instrumentale Einführung in eine Oper verwendet wurde. [18] In der frühen Romantik begannen Komponisten wie Beethoven und Mendelssohn, den Begriff zu verwenden, um sich auf eigenständige, selbstständige Instrumentalinstrumente zu beziehen. programmatische Werke, die Genres wie das symphonische Gedicht vorhersagten, eine von Franz Liszt in mehreren Werken entwickelte Form, die als dramatische Ouvertüren begann. Diese sollten "zunächst zweifellos an der Spitze eines Programms gespielt werden". [18] In den 1850er Jahren wurde die Konzertouvertüre durch das symphonische Gedicht verdrängt.
Orchester spielen auch mit Instrumentalsolisten in Konzerten. Während der Konzerte spielt das Orchester dem Solisten (z. B. einem Solo-Violinisten oder Pianisten) eine Begleitrolle und führt manchmal musikalische Themen oder Zwischenspiele ein, während der Solist nicht spielt. Orchester spielen auch bei Opern, Balletten, einigen Musiktheaterwerken und einigen Chorwerken (beides sakrale Werke wie Messen und weltliche Werke). In Opern und Balletten begleitet das Orchester die Sänger und Tänzer und spielt Ouvertüren und Zwischenspiele, bei denen die Melodien des Orchesters im Mittelpunkt stehen.
Aufführungen [ edit ]
Im Barock traten Orchester an verschiedenen Orten auf, unter anderem in den schönen Häusern von Aristokraten, in Opernhäusern und in Kirchen. Einige wohlhabende Aristokraten hatten auf ihrem Landsitz ein Orchester, um sie und ihre Gäste mit Auftritten zu unterhalten. Während sich die Komponisten in der Klassik zunehmend nach finanzieller Unterstützung aus der breiten Öffentlichkeit suchten, wurden in öffentlichen Konzertsälen zunehmend Orchesterkonzerte abgehalten, in denen Musikliebhaber Eintrittskarten für das Orchester kaufen konnten. Natürlich gab es während der klassischen Epoche immer wieder die Schirmherrschaft der Orchester, diesmal aber auch öffentliche Konzerte. Im 20. und 21. Jahrhundert haben Orchester einen neuen Mäzen gefunden: Regierungen. Viele Orchester in Nordamerika und Europa erhalten einen Teil ihrer Finanzierung von Regierungen auf nationaler, regionaler Ebene (z. B. den Regierungen der USA in den USA) oder den Stadtregierungen. Diese staatlichen Subventionen machen einen Teil der Einnahmen des Orchesters aus, zusammen mit dem Verkauf von Eintrittskarten, Spenden für wohltätige Zwecke (wenn das Orchester als Wohltätigkeitsorganisation registriert ist) und anderen Spendenaktionen. Mit der Erfindung aufeinanderfolgender Technologien, einschließlich Tonaufzeichnung, Rundfunk, Fernsehen und Internet-Streaming und Herunterladen von Konzertvideos, konnten Orchester neue Einnahmequellen finden.
Ausgaben in der Performance [ edit ]
Faking [ edit ]
Einer der "großen unmentionierbaren [topics] des Orchestralplayings" ist "Fakeing", der Vorgang, durch den ein Orchestermusiker den "... Eindruck macht, jede Note wie geschrieben zu spielen", normalerweise für eine sehr anspruchsvolle Passage, die sehr hoch oder sehr schnell ist, während sie nicht tatsächlich die Noten spielt, die sich darin befinden der gedruckte Musikteil. [19] Ein Artikel in The Strad besagt, dass alle Orchestermusiker, auch diejenigen in den Top-Orchestern, gelegentlich bestimmte Passagen "fälschen". [19] Ein Grund dafür, dass Musiker "fake" sind weil es nicht genug Proben gibt. [19] Ein weiterer Faktor sind die extremen Herausforderungen in den zeitgenössischen Werken des 20. Jahrhunderts und des 21. Jahrhunderts; Fachleute, die von der Zeitschrift interviewt wurden, sagten, "Fälschen" sei "... in zehn bis fast neunzig Prozent einiger moderner Werke notwendig." [19] Die befragten Profispieler waren sich einig, dass Fälschen akzeptabel sein kann, wenn ein Teil dazu gehört nicht gut für das Instrument geschrieben, aber "nur, weil Sie nicht geübt haben", ist die Musik nicht akzeptabel. [1965900] Geschichte
[ edit ]
Instrumentelle Technik edit ]
Die Erfindung der Kolben und Drehschieber durch die beiden Schlesier Heinrich Stölzel und Friedrich Blühmel im Jahr 1815 war die erste einer Reihe von Neuerungen, die das Orchester beeinflussten, einschließlich der Entwicklung moderner Schlüsselwerke für die Flöte von Theobald Boehm und die Innovationen von Adolphe Sax in den Holzbläsern, insbesondere die Erfindung des Saxophons, würde Hector Berlioz dazu führen, ein wegweisendes Buch über die Instrumentierung zu schreiben, das die erste systematische Abhandlung über den Einsatz war Instrumentalklang als Ausdruckselement der Musik. [20]
Wagners Einfluss [ edit ]
Die nächste große Erweiterung der Sinfonik-Praxis kam von Richard Wagners Bayreuth-Orchester, das zur Begleitung seiner musikalischen Dramen gegründet wurde. Wagners Arbeiten für die Bühne wurden mit beispiellosem Umfang und Komplexität gewertet: In seiner Partitur zu Das Rheingold sind sechs Harfen gefordert. So sah Wagner eine immer anspruchsvollere Rolle für den Dirigenten des Theaterorchesters, wie er in seinem einflussreichen Werk On Conducting . [21] ausführte. Dies führte zu einer Revolution in der Orchesterkomposition und setzte die Orchesterstil für die nächsten achtzig Jahre. Wagners Theorien untersuchten erneut die Bedeutung von Tempo, Dynamik, Beugung von Streichinstrumenten und die Rolle von Principals im Orchester. Dirigenten, die sich mit seinen Methoden beschäftigten, würden weiterhin selbst einflussreich sein. [ vage ]
Orchester des 20. Jahrhunderts [
Jahrhundert dämmerte, Sinfonieorchester waren größer, besser finanziert und besser ausgebildet als je zuvor; Komponisten könnten folglich größere und ehrgeizigere Werke komponieren. Der Einfluss von Gustav Mahler war besonders innovativ; In seinen späteren Sinfonien, wie der Mammut-Sinfonie Nr. 8, stößt Mahler mit extremen Kräften bis an die Grenzen der Orchestergröße vor. In der spätromantischen Zeit konnten Orchester die gewaltigsten Formen des symphonischen Ausdrucks unterstützen, mit riesigen Streichern, massiven Bläsern und einem erweiterten Angebot an Schlaginstrumenten. Mit Beginn der Aufnahmezeit wurden die Leistungsstandards auf ein neues Niveau gehoben, weil eine aufgezeichnete Sinfonie genau zugehört werden konnte und selbst kleinere Fehler in der Intonation oder im Ensemble, die bei einer Live-Aufführung nicht wahrgenommen werden könnten, von Kritikern gehört werden konnten . Da sich die Aufnahmetechnologien im 20. und 21. Jahrhundert verbessert haben, können kleine Fehler in einer Aufnahme durch Audio-Editing oder Overdubbing "behoben" werden. Einige ältere Dirigenten und Komponisten erinnerten sich an eine Zeit, als es einfach war, die Musik so gut wie möglich durchzubringen. Kombiniert mit dem größeren Publikum, das durch Aufnahmen möglich wurde, führte dies zu einem erneuten Fokus auf bestimmte Dirigenten und zu einem hohen Standard der Orchesterausführung. [22]
Counter-Revolution [ ]
Mit dem Aufkommen der frühen Musikbewegung wurden kleinere Orchester, in denen Spieler an der Ausführung von Werken arbeiteten, in Stilen, die aus dem Studium älterer Abhandlungen über das Spielen abgeleitet wurden, üblich. Dazu gehören unter anderem das Orchester des Zeitalters der Aufklärung, die London Classical Players unter der Leitung von Sir Roger Norrington und die Academy of Ancient Music unter Christopher Hogwood. Zitierbedarf
Neueste Trends in den Vereinigten Staaten [ edit ]
In den Vereinigten Staaten erlebte das späte 20. Jahrhundert eine Krise der Finanzierung und Unterstützung von Orchestern. Die Größe und die Kosten eines Sinfonieorchesters, verglichen mit der Größe der Unterstützer, wurden zu einem Thema, das den Kern der Institution ansprach. Nur wenige Orchester konnten Auditorien füllen, und das altehrwürdige Saisonabonnementsystem wurde zunehmend anachronistisch, da immer mehr Hörer ad hoc Tickets für einzelne Veranstaltungen kauften. Orchestral endowments and—more centrally to the daily operation of American orchestras—orchestral donors have seen investment portfolios shrink or produce lower yields, reducing the ability of donors to contribute; further, there has been a trend toward donors finding other social causes more compelling. Also, while government funding is less central to American than European orchestras, cuts in such funding are still significant for American ensembles. Finally, the drastic falling-off of revenues from recording, tied to no small extent to changes in the recording industry itself, began a period of change that has yet to reach its conclusion.
U.S. orchestras that have gone into Chapter 11 bankruptcy include the Philadelphia Orchestra (in April 2011), and the Louisville Orchestra, in December 2010; orchestras that have gone into Chapter 7 bankruptcy and have ceased operations include the Northwest Chamber Orchestra in 2006, the Honolulu Orchestra in March 2011, the New Mexico Symphony Orchestra in April 2011, and the Syracuse Symphony in June 2011. The Festival of Orchestras in Orlando, Florida ceased operations at the end of March, 2011.
One source of financial difficulties that received notice and criticism was high salaries for music directors of US orchestras,[23] which led several high-profile conductors to take pay cuts in recent years.[24][25][26] Music administrators such as Michael Tilson Thomas and Esa-Pekka Salonen argued that new music, new means of presenting it, and a renewed relationship with the community could revitalize the symphony orchestra. The American critic Greg Sandow has argued in detail that orchestras must revise their approach to music, performance, the concert experience, marketing, public relations, community involvement, and presentation to bring them in line with the expectations of 21st-century audiences immersed in popular culture.
It is not uncommon for contemporary composers to use unconventional instruments, including various synthesizers, to achieve desired effects. Many, however, find more conventional orchestral configuration to provide better possibilities for color and depth. Composers like John Adams often employ Romantic-size orchestras, as in Adams' opera Nixon in China; Philip Glass and others may be more free, yet still identify size-boundaries. Glass in particular has recently turned to conventional orchestras in works like the Concerto for Cello and Orchestra and the Violin Concerto No. 2.
Along with a decrease in funding, some U.S. orchestras have reduced their overall personnel, as well as the number of players appearing in performances. The reduced numbers in performance are usually confined to the string section, since the numbers here have traditionally been flexible (as multiple players typically play from the same part).
Role of conductor[edit]
Conducting is the art of directing a musical performance, such as an orchestral or choral concert. The primary duties of the conductor are to set the tempo, ensure correct entries by various members of the ensemble, and to "shape" the phrasing where appropriate.[27] To convey their ideas and interpretation, a conductor communicates with their musicians primarily through hand gestures, typically though not invariably with the aid of a baton, and may use other gestures or signals, such as eye contact with relevant performers.[28] A conductor's directions will almost invariably be supplemented or reinforced by verbal instructions or suggestions to their musicians in rehearsal prior to a performance.[28]
The conductor typically stands on a raised podium with a large music stand for the full score, which contains the musical notation for all the instruments and voices. Since the mid-18th century, most conductors have not played an instrument when conducting,[citation needed] although in earlier periods of classical music history, leading an ensemble while playing an instrument was common. In Baroque music from the 1600s to the 1750s, the group would typically be led by the harpsichordist or first violinist (see concertmaster), an approach that in modern times has been revived by several music directors for music from this period. Conducting while playing a piano or synthesizer may also be done with musical theatre pit orchestras. Communication is typically non-verbal during a performance (this is strictly the case in art music, but in jazz big bands or large pop ensembles, there may be occasional spoken instructions, such as a "count in"). However, in rehearsals, frequent interruptions allow the conductor to give verbal directions as to how the music should be played or sung.
Conductors act as guides to the orchestras or choirs they conduct. They choose the works to be performed and study their scores, to which they may make certain adjustments (e.g., regarding tempo, articulation, phrasing, repetitions of sections, and so on), work out their interpretation, and relay their vision to the performers. They may also attend to organizational matters, such as scheduling rehearsals,[29] planning a concert season, hearing auditions and selecting members, and promoting their ensemble in the media. Orchestras, choirs, concert bands and other sizable musical ensembles such as big bands are usually led by conductors.
Conductorless orchestras[edit]
In the Baroque music era (1600–1750), most orchestras were led by one of the musicians, typically the principal first violin, called the concertmaster. The concertmaster would lead the tempo of pieces by lifting his or her bow in a rhythmic manner. Leadership might also be provided by one of the chord-playing instrumentalists playing the basso continuo part which was the core of most Baroque instrumental ensemble pieces. Typically, this would be a harpsichord player, a pipe organist or a luteist or theorbo player. A keyboard player could lead the ensemble with his or her head, or by taking one of the hands off the keyboard to lead a more difficult tempo change. A lutenist or theorbo player could lead by lifting the instrument neck up and down to indicate the tempo of a piece, or to lead a ritard during a cadence or ending. In some works which combined choirs and instrumental ensembles, two leaders were sometimes used: a concertmaster to lead the instrumentalists and a chord-playing performer to lead the singers. During the Classical music period (ca. 1720–1800), the practice of using chordal instruments to play basso continuo was gradually phased out, and it disappeared completely by 1800. Instead, ensembles began to use conductors to lead the orchestra's tempos and playing style, while the concertmaster played an additional leadership role for the musicians, especially the string players, who imitate the bowstroke and playing style of the concertmaster, to the degree that is feasible for the different stringed instruments.
In 1922, the idea of a conductor-less orchestra was revived in post-revolutionary Soviet Union. The symphony orchestra Persimfans was formed without a conductor, because the founders believed that the ensemble should be modeled on the ideal Marxist state, in which all people are equal. As such, its members felt that there was no need to be led by the dictatorial baton of a conductor; instead they were led by a committee, which determined tempos and playing styles. Although it was a partial success within the Soviet Union, the principal difficulty with the concept was in changing tempo during performances, because even if the committee had issued a decree about where a tempo change should take place, there was no leader in the ensemble to guide this tempo change. The orchestra survived for ten years before Stalin's cultural politics disbanded it by taking away its funding.[30]
In Western nations, some ensembles, such as the Orpheus Chamber Orchestra, based in New York City, have had more success with conductorless orchestras, although decisions are likely to be deferred to some sense of leadership within the ensemble (for example, the principal wind and string players, notably the concertmaster). Others have returned to the tradition of a principal player, usually a violinist, being the artistic director and running rehearsal and leading concerts. Examples include the Australian Chamber Orchestra, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson and the New Century Chamber Orchestra. As well, as part of the early music movement, some 20th and 21st century orchestras have revived the Baroque practice of having no conductor on the podium for Baroque pieces, using the concertmaster or a chord-playing basso continuo performer (e.g., harpsichord or organ) to lead the group.
Multiple conductors[edit]
Offstage instruments[edit]
Some orchestral works specify that an offstage trumpet should be used or that other instruments from the orchestra should be positioned off-stage or behind the stage, to create a haunted, mystical effect. To ensure that the offstage instrumentalist(s) play in time, sometimes a sub-conductor will be stationed offstage with a clear view of the principal conductor. Examples include the ending of "Neptune" from Gustav Holst's The Planets. The principal conductor leads the large orchestra, and the sub-conductor relays the principal conductor's tempo and gestures to the offstage musician (or musicians). One of the challenges with using two conductors is that the second conductor may get out of synchronization with the main conductor, or may mis-convey (or misunderstand) the principal conductor's gestures, which can lead to the offstage instruments being out of time. In the late 20th century and early 21st century, some orchestras use a video camera pointed at the principal conductor and a closed-circuit TV set in front of the offstage performer(s), instead of using two conductors.
Contemporary music[edit]
The techniques of polystylism and polytempo[31] music have led a few 20th and 21st century composers to write music where multiple orchestras or ensembles perform simultaneously. These trends have brought about the phenomenon of polyconductor music, wherein separate sub-conductors conduct each group of musicians. Usually, one principal conductor conducts the sub-conductors, thereby shaping the overall performance. In Percy Grainger's "The Warriors" which includes three conductors: the primary conductor of the orchestra, a secondary conductor directing an off-stage brass ensemble, and a tertiary conductor directing percussion and harp. One example in the late century orchestral music is Karlheinz Stockhausen's Gruppenfor three orchestras, which are placed around the audience. This way, the "sound masses" could be spacialized, as in an electroacoustic work. Gruppen was premiered in Cologne, in 1958, conducted by Stockhausen, Bruno Maderna and Pierre Boulez. It has been[when?] performed by Simon Rattle, John Carewe and Daniel Harding.
See also[edit]
Notes and references[edit]
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Conducting
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- ^ "Polytempo Music Articles". Greschak.com. Archived from the original on 2002-08-20. Retrieved 2014-06-04.
Bibliography[edit]
External links[edit]
| Wikimedia Commons has media related to Orchestras. |
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