japanische Malerei ( 画 画 Kaiga, auch gadō 画 道) ist eine der ältesten und höchst verfeinerten der japanischen bildenden Künste und umfasst eine Vielzahl von Genres und Stilen. Wie in der Geschichte der japanischen Kunst im Allgemeinen zeigt die lange Geschichte der japanischen Malerei eine Synthese und Konkurrenz zwischen einheimischer japanischer Ästhetik und der Anpassung importierter Ideen, hauptsächlich aus der chinesischen Malerei, die an verschiedenen Stellen besonders einflussreich war. Ein bedeutender westlicher Einfluss kommt erst ab dem späten 16. Jahrhundert, als die japanische Kunst die des Westens beeinflusste.
Zu Themengebieten, in denen der chinesische Einfluss wiederholt bedeutsam war, gehören buddhistische religiöse Malerei, Tuschemalerei von Landschaften in der chinesischen literarischen Malereistradition, Kalligraphie von Ideographen [1] und das Malen von Tieren und Pflanzen, insbesondere von Vögeln und Blumen. In allen diesen Bereichen haben sich jedoch japanische Traditionen entwickelt. Das Thema, das weithin als das charakteristischste Merkmal der japanischen Malerei und später der Druckgrafik angesehen wird, ist die Darstellung von Alltagsszenen und Erzählszenen, die oft mit Figuren und Details überfüllt sind. Diese Tradition begann zweifellos im frühen Mittelalter unter chinesischem Einfluss, der heute außer in den allgemeinsten Ausdrücken nicht mehr nachvollziehbar ist, sich aber aus der Zeit der frühesten erhaltenen Werke zu einer spezifisch japanischen Tradition entwickelt hat, die bis in die Neuzeit reicht.
Die offizielle Liste der nationalen Schätze Japans (Gemälde) umfasst 158 Werke oder Werksets aus dem 8. bis 19. Jahrhundert (wenngleich auch eine Reihe von chinesischen Gemälden, die sich seit langem in Japan befinden), die Spitzenleistungen oder sehr seltene Überreste aus frühen Perioden.
Timeline [ edit ]
Altes Japan und Asuka (bis 710) [ edit
Die Ursprünge der Malerei in Japan datieren gut zurück in die prähistorische Zeit Japans. Einfache figürliche Darstellungen sowie botanische, architektonische und geometrische Entwürfe finden sich in der Keramik der Jōmon-Zeit und der Yayoi-Zeit (300 v. Chr. - 300 n. Chr.) dōtaku Bronzeglocken. Wandmalereien mit geometrischen und figürlichen Motiven wurden in zahlreichen Tumuli aus der Kofun-Zeit und der Asuka-Zeit (300–700 n. Chr.) Gefunden.
Zusammen mit der Einführung des chinesischen Schriftsystems ( Kanji ), chinesischen Regierungsformen und dem Buddhismus in der Asuka-Zeit wurden viele Kunstwerke aus China nach Japan importiert und lokale Kopien in ähnlichen Stilen begann produziert zu werden.
Nara-Periode (710–794) [ edit ]
Mit der weiteren Etablierung des Buddhismus im 6. und 7. Jahrhundert in Japan blühte die religiöse Malerei und wurde zum Schmücken zahlreicher Tempel verwendet von der Aristokratie errichtet. Das Nara-Zeitalter Japan wird jedoch eher für wichtige Beiträge in der Skulpturkunst als für die Malerei anerkannt.
Zu den frühesten erhaltenen Gemälden aus dieser Zeit gehören die Wandgemälde an den Innenmauern des Kondō ([1945) im Tempel Hōryū-ji in der Präfektur Nara. Zu diesen Wandgemälden sowie gemalten Bildern auf dem wichtigen Tamamushi-Schrein gehören Narrative wie Jataka Episoden aus dem Leben des historischen Buddha, Shakyamuni sowie ikonische Bilder von Buddhas, Bodhisattvas und verschiedene Minderjährige Gottheiten Der Stil erinnert an die chinesische Malerei der Sui-Dynastie oder der späten Sixteen Kingdoms-Zeit. In der Mitte der Nara-Zeit wurden jedoch Gemälde im Stil der Tang-Dynastie sehr populär. Dazu gehören auch die Wandmalereien im Takamatsuzuka-Grab, die aus der Zeit um 700 n. Chr. Stammen. Dieser Stil entwickelte sich zu der (Kara-e) Gattung, die in der frühen Heian-Zeit populär blieb.
Da die meisten Gemälde der Nara-Zeit religiöser Natur sind, handelt es sich bei der großen Mehrheit um anonyme Künstler. Im Shōsō-in, einem Repository aus dem 8. Jahrhundert, das sich im Besitz von Tōdai-ji befand und derzeit von der Imperial Household Agency verwaltet wird, ist eine große Sammlung von Kunst aus der Nara-Zeit, japanische sowie aus der chinesischen Tang-Dynastie [2] erhalten.
Heian-Zeit (794–1185) [ edit ]
Mit der Entwicklung der esoterischen buddhistischen Sekten von Shingon und Tendai wird die Malerei des 8. und 9. Jahrhunderts durch religiöse Bilder charakterisiert vor allem bemaltes Mandala ( 曼荼羅 Mandara ) . Zahlreiche Mandala-Versionen, vor allem das Diamantreich (19459006) Mandala (19459007) und Womb Realm Mandala (19459007) in Tōji in Kyoto, wurden als hängende Rollen und auch als Wandbilder an den Wänden von Tempeln angelegt. Ein bekanntes frühes Beispiel ist die fünfstöckige Pagode von Daigo-ji, einem Tempel südlich von Kyoto.
Mit der zunehmenden Bedeutung der Pure Land-Sekten des japanischen Buddhismus im 10. Jahrhundert wurden neue Bildtypen entwickelt, um die religiösen Bedürfnisse dieser Sekten zu befriedigen. Dazu gehören raigōzu ( 来 迎 1945 ) in dem Amida Buddha zusammen mit dem Bodhisattvas-Bodhisattvas Kannon und Seishi dargestellt sind, die die Seelen der Gläubigen willkommen heißen sollten, die im westlichen Paradies von Amida abgereist waren. Ein bekanntes frühes Beispiel aus dem Jahr 1053 ist im Inneren der Phoenix Hall des Byōdō-in, eines Tempels in Uji, Kyoto, gemalt. Dies wird auch als ein frühes Beispiel des sogenannten Yamato-e ( 和 和 1945 19459014, "Malerei im japanischen Stil") betrachtet, sofern es Landschaftselemente wie weiche sanfte Hügel umfasst scheinen etwas vom tatsächlichen Aussehen der Landschaft im Westen Japans zu reflektieren. Stilistisch wird diese Art der Malerei jedoch weiterhin von den chinesischen Traditionen der Landschaftsmalerei "Blauer und grüner Stil" aus der Tang-Dynastie beeinflusst. Yamato-e ist ein unpräziser Begriff, der unter Historikern japanischer Kunst immer noch diskutiert wird.
Die Mitte der Heian-Zeit ist das goldene Zeitalter von Yamato-e das ursprünglich hauptsächlich für Schiebetüren ( fusuma ) und Faltwände ( byōbu) verwendet wurde ). Aber auch gegen Ende der Heian-Zeit traten neue Malformate in den Vordergrund, darunter Emakimono oder lange illustrierte Handscrolls. Varietäten des Emakimono umfassen illustrierte Romane wie den Genji Monogatari (19459007), historische Werke wie den Ban Dainagon Ekotoba (19459007) und religiöse Werke. In einigen Fällen emaki setzten Künstler bildnerische Erzählkonventionen ein, die seit der Antike in der buddhistischen Kunst verwendet wurden, während sie andere Erzählweisen entwickelten, die den emotionalen Inhalt der zugrunde liegenden Erzählung visuell vermitteln sollen. Genji Monogatari ist in diskreten Episoden organisiert, während der lebhaftere Ban Dainagon Ekotoba einen kontinuierlichen Erzählmodus verwendet, um die Vorwärtsbewegung der Erzählung zu betonen. Auch diese beiden emaki unterscheiden sich stilistisch. Die schnellen Pinselstriche und die helle Färbung von [BananaDainagon stehen im krassen Gegensatz zu den abstrahierten Formen und lebhaften Mineralpigmenten der Genji . scrollt. Die Belagerung des Sanjō-Palastes ist ein weiteres berühmtes Beispiel für diese Art von Malerei.
E-maki dient auch als eines der frühesten und besten Beispiele für onna-e ("Frauenbilder") und otoko-e ( "Männerbilder") und Malstile. Es gibt viele feine Unterschiede zwischen den beiden Stilen. Obwohl die Begriffe die ästhetischen Präferenzen jedes Geschlechts zu suggerieren scheinen, haben Historiker japanischer Kunst lange über die tatsächliche Bedeutung dieser Begriffe diskutiert, und sie bleiben unklar. Am leichtesten wahrnehmbar sind die Unterschiede in der Materie. Onna-e verkörpert durch das Tale of Genji -Handspiel, behandelt typischerweise das Leben auf dem Hof und die höfische Romantik, während otoko-e häufig mit historischen oder legendäre Ereignisse, besonders Schlachten.
Kamakura-Periode (1185–1333) [ edit ]
Diese Gattungen wurden durch die Kamakura-Periode in Japan fortgesetzt. Es wurden weiterhin E-maki verschiedener Art hergestellt; Die Kamakura-Zeit war jedoch viel stärker von der Bildhauerkunst als von der Malerei geprägt.
Da die meisten Gemälde der Heian- und Kamakura-Zeit religiöser Natur sind, handelt es sich bei der großen Mehrheit um anonyme Künstler.
Muromachi-Zeit (1333–1573) [ edit
Während des 14. Jahrhunderts hatte die Entwicklung der großen Zen-Klöster in Kamakura und Kyoto einen großen Einfluss auf die bildenden Künste. Suibokuga, ein strenger monochromer Stil der Tuschemalerei, der aus der China der Song- und Yuan-Dynastie eingeführt wurde, ersetzte die polychromen Rollbilder der vorherigen Periode weitgehend, obwohl einige polychrome Porträts noch vorhanden waren - hauptsächlich in Form von chinso Gemälde von Zen-Mönchen. Typisch für ein solches Gemälde ist die Darstellung des legendären Mönchs Kensu (Hsien-tzu auf Chinesisch) des Priester-Malers Kaō in dem Moment, in dem er die Erleuchtung erreichte. Diese Art von Malerei wurde mit schnellen Pinselstrichen und einem Minimum an Details ausgeführt.
Das Fangen eines Welses mit einem Kürbis (in Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto) des Priester-Malers Josetsu markiert einen Wendepunkt in der Muromachi-Malerei. Im Vordergrund ist ein Mann am Ufer eines Baches dargestellt, der einen kleinen Kürbis hält und einen großen, glitschigen Wels betrachtet. Nebel füllt den Mittelweg und der Hintergrund, Berge scheinen weit weg zu sein. Es wird allgemein angenommen, dass der um 1413 ausgeführte "neue Stil" des Gemäldes auf ein eher chinesisches Gefühl des tiefen Raums in der Bildebene verweist.
Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts hatten monochrome Landschaftsbilder (山水画 sansuiga ) die Schirmherrschaft der regierenden Familie Ashikaga gefunden und waren das bevorzugte Genre unter den Zen-Malern Japanischer Stil. Eine Weiterentwicklung der Landschaftsmalerei war die Gedichtbildrolle, bekannt als Shigajiku.
Die bedeutendsten Künstler der Muromachi-Zeit sind die Priestermaler Shūbun und Sesshū. Shūbun, ein Mönch im Kyoto-Tempel von Shōkoku-ji, entstand im Gemälde Lesung in einem Bambushain (1446) eine realistische Landschaft mit einer tiefen Rezession in den Weltraum. Im Gegensatz zu den meisten Künstlern der damaligen Zeit konnte Sesshū nach China reisen und dort chinesische Malerei studieren. Landschaft der vier Jahreszeiten ( Sansui Chokan ; um 1486) ist eines der erfolgreichsten Werke von Sesshu und zeigt eine fortlaufende Landschaft während der vier Jahreszeiten.
In der späten Muromachi-Zeit war die Tuschemalerei aus den Zen-Klöstern generell in die Kunstwelt eingewandert, als Künstler der Kanō-Schule und der Ami-Schule (ja: 阿 弥 派) den Stil und die Themen übernahmen, jedoch einen mehr plastische und dekorative Wirkung, die sich in die moderne Zeit fortsetzen würde.
Zu den wichtigen Künstlern der japanischen Muromachi-Zeit gehören:
Azuchi-Momoyama-Zeit (1573–1615) [ edit ]
In scharf Im Gegensatz zur vorherigen Muromachi-Zeit zeichnete sich die Azuchi-Momoyama-Zeit durch einen grandiosen polychromen Stil aus, in dem Gold- und Silberfolie ausgiebig verwendet wurde, sowie durch Werke in großem Maßstab. Die Kanō-Schule, die von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu und ihren Anhängern bevormundet wurde, gewann enorm an Größe und Ansehen. Kanō Eitoku entwickelte eine Formel für die Gestaltung monumentaler Landschaften an den Schiebetüren, die einen Raum umschließen. Diese riesigen Leinwände und Wandmalereien wurden beauftragt, die Burgen und Schlösser des militärischen Adels zu schmücken. Dieser Status setzte sich in der nachfolgenden Edo-Periode fort, als der Tokugawa-Bakufu die Werke der Kanō-Schule als offiziell genehmigte Kunst für den Shōgun Daimyōs und das Kaisergericht vorstellte.
Aber auch Künstler und Strömungen außerhalb der Kano-Schule existierten und entwickelten sich in der Azuchi-Momoyama-Zeit, wobei chinesische Themen an japanische Materialien und Ästhetik angepasst wurden. Eine wichtige Gruppe war die Tosa-Schule, die sich in erster Linie aus der Tradition von Yamato-e (19459006) entwickelte und vor allem für kleine Werke und Illustrationen literarischer Klassiker im Buch- oder Emaki-Format bekannt war .
Zu den wichtigen Künstlern der Azuchi-Momoyama-Zeit gehören:
Edo-Periode (1603–1868) [ edit ]
Viele Kunsthistoriker zeigen die Edo-Periode als Fortsetzung der Azuchi-Momoyama-Periode. Sicherlich waren während der frühen Edo-Zeit viele der bisherigen Tendenzen in der Malerei weiterhin populär; es haben sich jedoch auch eine Reihe neuer Trends herausgebildet.
Eine sehr bedeutende Schule, die in der frühen Edo-Zeit entstand, war die Rinpa-Schule, die klassische Themen verwendete, sie jedoch in einem kühnen und aufwendig dekorativen Format präsentierte. Vor allem Sōtatsu entwickelte einen dekorativen Stil, indem er Themen aus der klassischen Literatur mit brillanten Farbfiguren und Motiven aus der natürlichen Welt vor Blattgold-Hintergründen neu kreierte. Ein Jahrhundert später überarbeitete Korin Sōtatsus Stil und schuf visuell wunderschöne Werke, die einzigartig waren.
Ein anderes wichtiges Genre, das während der Azuchi-Momoyama-Periode begann, aber seine volle Entwicklung während der frühen Edo-Periode erreichte, war Namban Kunst sowohl in der Darstellung exotischer Ausländer als auch in der Verwendung exotischer Ausländer Stil in der Malerei. Dieses Genre konzentrierte sich auf den Hafen von Nagasaki, der nach dem Beginn der nationalen Politik zur Abgeschiedenheit des Tokugawa-Shogunats der einzige japanische Hafen war, der für den Außenhandel offen war, und war somit der Weg, durch den chinesische und europäische künstlerische Einflüsse nach Japan kamen. Gemälde in diesem Genre umfassen Nagasaki-Schulgemälde sowie die Maruyama-Shijo-Schule, die chinesische und westliche Einflüsse mit traditionellen japanischen Elementen kombiniert.
Ein dritter wichtiger Trend in der Edo-Zeit war der Aufstieg des Genres Bunjinga (literati painting), auch bekannt als Nanga-Schule (Southern Painting School). Dieses Genre begann als Nachahmung der Werke chinesischer Gelehrter-Laienmaler der Yuan-Dynastie, deren Werke und Techniken Mitte des 18. Jahrhunderts nach Japan gelangten. Meister Kuwayama Gyokushū war der größte Befürworter der Schaffung des Bunjin-Stils . Er stellte die Theorie auf, dass polychromatische Landschaften auf der gleichen Ebene von monochromatischen Gemälden chinesischer Literaten zu betrachten sind. Außerdem zählte er einige japanische traditionalistische Künstler wie Tawaraya Sōtatsu und Ogata Kōrin von der Rinpa-Gruppe zu den wichtigsten Vertretern von Nanga. [3] Später bunjinga änderten Künstler sowohl die Techniken als auch das Thema dieses Genres erheblich eine Mischung aus japanischen und chinesischen Stilen. Die Beispiele dieses Stils sind Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō und Yamamoto Baiitsu.
Aufgrund der Politik des Tokugawa-Shogunats hinsichtlich der fiskalischen und sozialen Sparpolitik waren die luxuriösen Modi dieser Gattungen und Stile weitgehend auf die oberen Gesellschaftsschichten beschränkt und nicht verfügbar, wenn sie den unteren Klassen nicht tatsächlich verboten waren. Das gemeine Volk entwickelte einen eigenen Kunststil, den fūzokuga, (風俗 画, Genre art), in dem die Malerei Szenen aus dem alltäglichen Leben zeigt, vor allem die des gewöhnlichen Volkes, kabuki ] Theater, Prostituierte und Landschaften waren beliebt. Diese Gemälde des 16. Jahrhunderts führten zu den Gemälden und Holzschnitten von Ukiyo-e.
Wichtige Künstler in der Edo-Zeit sind:
Vorkriegszeit (1868–1945) [ edit ]
Die Vorkriegszeit war durch die Einteilung der Kunst in konkurrierende europäische und traditionelle indigene Stile geprägt.
Während der Meiji-Zeit durchlief Japan im Zuge der von der Meiji-Regierung organisierten Europäisierungs- und Modernisierungskampagne einen enormen politischen und sozialen Wandel. Die Malerei im westlichen Stil (19459006 yōga 19459007) wurde offiziell von der Regierung befördert, die vielversprechende junge Künstler zum Studium ins Ausland schickte und ausländische Künstler anstellte, die nach Japan kamen, um an japanischen Schulen einen Kunstlehrplan zu etablieren.
Nach einer anfänglichen Begeisterung für die westliche Stilkunst schwang das Pendel jedoch in die entgegengesetzte Richtung, angeführt von dem Kunstkritiker Okakura Kakuzō und dem Erzieher Ernest Fenollosa, und es kam zu einer Wiederbelebung der Wertschätzung traditioneller japanischer Stile (Nihonga). In den 1880er Jahren wurde die westliche Kunst in offiziellen Ausstellungen verboten und von Kritikern heftig kritisiert. Unterstützt von Okakura und Fenollosa entwickelte sich der Stil Nihonga mit Einflüssen aus der europäischen präraffaelitischen Bewegung und der europäischen Romantik.
Die Maler im Yōga-Stil gründeten die Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society), um ihre eigenen Ausstellungen zu veranstalten und ein neues Interesse an der westlichen Kunst zu fördern.
Mit der Gründung von Bunten im Jahre 1907 unter der Schirmherrschaft des Bildungsministeriums fanden 1907 beide konkurrierenden Gruppen gegenseitige Anerkennung und Koexistenz und begannen sogar den Prozess der gegenseitigen Synthese.
In der Taishō-Periode dominierte Yōga über Nihonga . Nach langen Aufenthalten in Europa kehrten viele Künstler (einschließlich Arishima Ikuma) unter der Regentschaft von Yoshihito nach Japan zurück und brachten die Techniken des Impressionismus und des frühen Postimpressionismus mit. Die Werke von Camille Pissarro, Paul Cézanne und Pierre-Auguste Renoir beeinflussten die Malerei der frühen Taishō-Periode. yōga tendierten Künstler in der Taishō-Periode auch zum Eklektizismus, und es gab eine Fülle von dissidenten künstlerischen Bewegungen. Dazu gehörte die Fusain Society ( Fyuzankai ), in der die Stile des Postimpressionismus, insbesondere des Fauvismus, hervorgehoben wurden. Im Jahr 1914 trat der Nikakai (Second Division Society) gegen die von der Regierung unterstützte Bunten-Ausstellung auf.
Die japanische Malerei in der Taishō-Zeit wurde nur geringfügig von anderen europäischen Bewegungen der Gegenwart beeinflusst, wie dem Neoklassizismus und dem späten Postimpressionismus.
Jedoch war es Mitte der 1920er Jahre, als Nihonga wiederbelebt wurde, was bestimmte Tendenzen des Post-Impressionismus auf sich zog. Die zweite Generation von Nihonga Künstlern bildete die Japan Fine Arts Academy ( Nihon Bijutsuin ), um gegen die von der Regierung gesponserten Bunten und zwar yamato- anzutreten. Die Tradition der blieb stark, der zunehmende Gebrauch der westlichen Perspektive und die westlichen Konzepte von Raum und Licht verwischten die Unterscheidung zwischen Nihonga und yōga .
Die japanische Malerei in der Vorkriegszeit von Shōwa wurde weitgehend von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara beherrscht, der die Konzepte der reinen Kunst und der abstrakten Malerei in die Tradition von Nihonga einführte und so eine interpretativere Version davon entwickelte Genre. Dieser Trend wurde von Leonard Foujita und der Nika Society weiterentwickelt, um den Surrealismus zu erfassen. Um diese Tendenzen zu fördern, wurde 1931 die Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai ) gegründet.
Während des Zweiten Weltkrieges bedeuteten staatliche Kontrollen und Zensur, dass nur patriotische Themen zum Ausdruck gebracht werden konnten. Viele Künstler wurden für die Regierungspropaganda rekrutiert, und eine kritische, nicht-emotionale Überprüfung ihrer Werke steht erst am Anfang.
Wichtige Künstler in der Vorkriegszeit sind:
Nachkriegszeit (1945 bis heute) [ edit
In der Nachkriegszeit wurde die von der Regierung gesponserte Japan Art Academy ( Nihon Geijutsuin ) gegründet 1947, mit beiden Nihonga und Yōga Divisionen. Das staatliche Sponsoring von Kunstausstellungen ist beendet, wurde jedoch durch private Ausstellungen, wie zum Beispiel Nitten in einem noch größeren Maßstab abgelöst. Obwohl das Nitten zunächst die Ausstellung der Japan Art Academy war, wird es seit 1958 von einer separaten privaten Körperschaft betrieben. Die Teilnahme an den Nitten ist fast zu einer Voraussetzung für die Nominierung an der Japan Art Academy geworden, die an sich fast eine inoffizielle Voraussetzung für die Nominierung in die Kulturordnung ist.
Die Künste der Edo- und Vorkriegszeit (1603–1945) wurden von Kaufleuten und Städtern unterstützt. Gegen die Edo- und Vorkriegszeit wurde die Kunst der Nachkriegszeit populär. Nach dem Zweiten Weltkrieg blühten Maler, Kalligrafiker und Grafiker in den Großstädten, insbesondere in Tokio, auf und beschäftigten sich mit den Mechanismen des städtischen Lebens, die sich in den flackernden Lichtern, Neonfarben und dem frenetischen Tempo ihrer Abstraktionen widerspiegelten. Alle "Ismen" der New York-Pariser Kunstwelt wurden leidenschaftlich angenommen. Nach den Abstraktionen der 1960er Jahre kam es in den 1970er Jahren zu einer Rückkehr zum Realismus, der stark von den "Op" - und "Pop" -Kunstbewegungen geprägt war, die in den 1980er Jahren in den explosiven Werken von Ushio Shinohara verkörpert wurden. Viele dieser herausragenden Künstler der Avantgarde arbeiteten sowohl in Japan als auch im Ausland und gewannen internationale Preise. Diese Künstler hatten das Gefühl, dass "nichts Japanisches" an ihren Werken war, und tatsächlich gehörten sie zur internationalen Schule. In den späten 70er Jahren veranlasste die Suche nach japanischen Qualitäten und einem nationalen Stil dazu, dass viele Künstler ihre künstlerische Ideologie neu einschätzten und sich von den gefühlten Formeln des Westens abwandten. Zeitgenössische Gemälde in der modernen Sprache begannen, traditionelle japanische Kunstformen, Geräte und Ideologien bewusst zu nutzen. mono-ha Künstler wandten sich der Malerei zu, um traditionelle Nuancen in räumlichen Arrangements, Farbharmonien und Lyrik wiederzuerlangen.
Die Malerei im japanischen Stil oder nihonga setzt sich in der Vorkriegszeit fort und aktualisiert traditionelle Ausdrücke, während sie ihren eigentümlichen Charakter beibehält. Einige Künstler in diesem Stil malen immer noch mit traditionellen Farben und Tinte auf Seide oder Papier, während andere neue Materialien wie Acryl verwenden.
Viele der älteren Kunstschulen, vor allem der Edo- und Vorkriegszeit, wurden noch praktiziert. Der dekorative Naturalismus der Schule rimpa die durch brillante, reine Farben und blutende Waschungen gekennzeichnet ist, spiegelte sich beispielsweise in der Arbeit vieler Künstler der Nachkriegszeit in der Kunst von Hikosaka Naoyoshi in den 1980er Jahren wider. Der Realismus der Schule von Maruyama Ōkyo und der kalligraphische und spontane japanische Stil der Gentlemen-Gelehrten waren in den 1980er Jahren weit verbreitet. Manchmal wurden alle diese und auch ältere Schulen, wie die Tradition der Kanō-Tusche, von zeitgenössischen Künstlern im japanischen Stil und in der modernen Sprache verwendet. Viele Maler im japanischen Stil wurden mit Preisen und Preisen geehrt, als Ergebnis der erneuten Nachfrage der Künstler nach Kunst im japanischen Stil, die in den 1970er Jahren begann. Die internationalen modernen Maler zogen immer mehr auch die japanischen Schulen an, als sie sich in den 1980er Jahren vom westlichen Stil abwandten. Die Tendenz bestand darin, Ost und West zu synthetisieren. Einige Künstler hatten bereits die Kluft überbrückt, ebenso wie der herausragende Maler Shinoda Toko. Ihre mutigen Sumi-Tintenabstraktionen wurden von der traditionellen Kalligraphie inspiriert, jedoch als lyrische Ausdrücke der modernen Abstraktion umgesetzt.
Es gibt auch eine Reihe zeitgenössischer Maler in Japan, deren Arbeit weitgehend von Anime-Subkulturen und anderen Aspekten der Populär- und Jugendkultur inspiriert ist. Takashi Murakami ist vielleicht einer der bekanntesten und beliebtesten, zusammen mit den anderen Künstlern seines Kaikai Kiki Studio-Kollektivs. Seine Arbeit konzentriert sich darauf, Probleme und Anliegen der japanischen Nachkriegsgesellschaft durch scheinbar harmlose Formen auszudrücken. Er schöpft stark von Anime und verwandten Stilen, produziert jedoch Gemälde und Skulpturen in Medien, die traditionell mit der bildenden Kunst verbunden sind, und verwischt bewusst die Grenzen zwischen kommerzieller und populärer Kunst und Bildender Kunst.
Wichtige Künstler in der Nachkriegszeit sind:
Referenzen [ edit ]
- Keene, Donald. Morgendämmerung im Westen . Columbia University Press; (1998). ISBN 0-231-11435-4
- Mason, Penelope. Geschichte der japanischen Kunst . Prentice Hall (2005). ISBN 0-13-117602-1
- Paine, Robert Treat, in: Paine, RT & Soper A, "Die Kunst und Architektur Japans", Pelican History of Art, 3. Auflage 1981, Penguin (jetzt Yale Kunstgeschichte), ISBN 0140561080
- Sadao, Tsuneko. Die Kunst Japans entdecken: Ein historischer Überblick . Kodansha International (2003). ISBN 4-7700-2939-X
- Schaap, Robert, Ein Pinsel mit Tieren, japanische Gemälde, 1700-1950 Bergeijk, Gesellschaft für japanische Kunst & Hotei Publishing, 2007. [19459063ISBN978-90-70216-07-8
- Schaarschmidt Richte. Japanische Malerei der modernen Kunst von 1910 . Edition Stemmle. ISBN 3-908161-85-1
- Watson, William, Das große Japan Ausstellung: Kunst der Edo-Periode 1600-1868 1981, Royal Academy of Arts / Weidenfeld & Nicolson [19659085] [Lesen Sie weiter] [ edit ]
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