Lucio Fontana - Wikipedia

Lucio Fontana ( Italienisch: [ˈluːtʃo fonˈtaːna]; 19. Februar 1899 - 7. September 1968) war ein argentinischer Maler, Bildhauer und Theoretiker. ^[1] Er ist hauptsächlich als Gründer des Spatialismus bekannt.

Frühes Leben [ edit ]

Geboren in Rosario, Provinz Santa Fe, Argentinien als Sohn italienischer Einwanderer, war er der Sohn des Bildhauers Luigi Fontana (1865 - 1946). ^[2][3] Fontana verbrachte die ersten Jahre seines Lebens in Italien und kehrte 1905 nach Argentinien zurück, wo er bis 1922 blieb, als Bildhauer bei seinem Vater arbeitete und dann alleine arbeitete. Bereits 1926 nahm er an der ersten Ausstellung von Nexus teil, einer Gruppe junger argentinischer Künstler, die in Rosario de Santa Fé arbeitet. ^[4]

1927 kehrte Fontana nach Italien zurück und studierte bei dem Bildhauer Adolfo Wildt ^[5] an der Accademia di Brera von 1928 bis 1930. Dort präsentierte er 1930 seine erste Ausstellung, die von der Mailänder Kunstgalerie Il Milione organisiert wurde. In den folgenden zehn Jahren reiste er nach Italien und Frankreich, um mit abstrakten und expressionistischen Malern zu arbeiten. 1935 trat er dem Verein Abstraction-Création in Paris bei und fertigte von 1936 bis 1949 expressionistische Skulpturen in Keramik und Bronze an. 1939 schloss er sich der Corrente an, einer Gruppe expressionistischer Künstler aus Mailand. ^[4]

1940 kehrte er nach Argentinien zurück. In Buenos Aires (1946) gründete er zusammen mit einigen seiner Studenten die Akademie von Altamira und veröffentlichte das Weiße Manifest (19459022), in dem es heißt: "Materie, Farbe und Klang in Bewegung sind die Phänomene, deren gleichzeitige Entwicklung macht die neue Kunst ". In dem Text, den Fontana nicht unterschrieb, zu dem er jedoch aktiv beitrug, formulierte er von 1947 bis 1952 in fünf Manifesten die Theorien, die er als Spazialismo oder Spatialismus erweitern sollte. ^[6] Nach seiner Rückkehr aus Argentinien im Jahr 1947 unterstützte er zusammen mit Schriftstellern und Philosophen das erste Manifest des Spatialismus (Spazialismo) **. Fontana hatte sein Atelier und seine Werke bei den Bombenangriffen der Alliierten in Mailand ^[7] vollständig zerstört, aber seine Keramikarbeiten in Albisola bald wieder aufgenommen. In Mailand arbeitete er mit renommierten Mailänder Architekten zusammen, um mehrere neue Gebäude zu dekorieren, die nach dem Krieg zum Wiederaufbau der Stadt beigetragen hatten. ^[8]

Nach seiner Rückkehr nach Italien im Jahr 1948 stellte Fontana seine erste Ambiente spaziale a luce nera aus ('Spatial environment') (1949) in der Galleria del Naviglio in Mailand, eine temporäre Installation, bestehend aus einer riesigen amöbenähnlichen Form, die in einem dunklen Raum in einem dunklen Raum aufgehängt und durch Neonlicht beleuchtet wird. Ab 1949 begann er die sogenannte Spatial Concept oder Slash-Serie, bestehend aus Löchern oder Schrägstrichen auf der Oberfläche von monochromen Gemälden und zeichnet damit ein Zeichen dessen, was er "eine Kunst für das Weltraumzeitalter" nannte. Er entwarf den Gattungsnamen Concetto spaziale ('räumliches Konzept') für diese Arbeiten und verwendete ihn für fast alle späteren Gemälde. Diese lassen sich in breite Kategorien einteilen: die Buchi ('Löcher) ab 1949 und der Tagli (' Slashes '), den er Mitte der 1950er Jahre einführte. 19659014] Fontana säumte oft die Rückseite seiner Leinwände mit schwarzer Gaze, so dass die Dunkelheit hinter den offenen Schnitten glitzern und ein geheimnisvolles Gefühl von Illusion und Tiefe erzeugen würde. ^[10] 1965 erstellte er dann eine aufwendige Neondecke mit dem Namen "Luce spaziale" für die Triennale in Mailand. ^[11][12] In seiner wichtigen Reihe Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64) verwendet Fontana die Eiform. Mit seiner Serie Pietre (Steine) die 1952 begann, verschmolz Fontana die Skulptur mit der Malerei, indem er die Oberflächen seiner Leinwände mit schwerem Impasto und farbigem Glas bedeckte. In seinem 1949-50 begonnenen Zyklus Buchi (holes) durchbohrte er die Oberfläche seiner Leinwände und durchbrach die Membran der Zweidimensionalität, um den Raum hinter dem Bild hervorzuheben. ^[13] Ab 1958 er reinigte seine Bilder durch die Schaffung von matten, monochromen Oberflächen und konzentrierte die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Scheiben, die die Haut der Leinwand zerreißen. ^[14] 1959 zeigte Fontana Gemälde mit mehreren kombinierbaren Elementen (er nannte die Sets ). Quanten ), und begann Nature eine Serie von Skulpturen, die durch Schneiden eines Schnittes über eine Kugel aus Terrakotta-Ton hergestellt wurden, die er anschließend in Bronze gegossen hatte. ^[15]

Fontana war an zahlreichen Kooperationsprojekten mit der Die wichtigsten Architekten der damaligen Zeit, insbesondere mit Luciano Baldessari, der seine Forschungen für Spatial Light - Structure in Neon (1951) bei der 9. Triennale teilte und unterstützte, und beauftragte ihn unter anderem mit der Planung der Decke des Kinos im Sidercomit-Pavillon auf der 21. Mailänder Messe im Jahr 1953. ^[16]

Um 1960 begann Fontana, die Einschnitte und Punktionen neu zu erfinden, die seinen bis dahin sehr persönlichen Stil charakterisiert hatten, wobei er Leinwände mit aufgebrachten Schichten mit dicker Ölfarbe bedeckte von Hand und Pinsel und mit einem Skalpell oder Stanley-Messer große Risse in ihrer Oberfläche erzeugen. Im Jahr 1961, nach einer Einladung, zusammen mit den Künstlern Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis und anderen an einer Ausstellung zeitgenössischer Malerei mit dem Titel "Art and Contemplation" im Palazzo Grassi in Venedig teilzunehmen, schuf er eine Reihe von 22 Werken in die Lagunenstadt. Er manipulierte die Farbe mit seinen Fingern und verschiedenen Instrumenten, um Furchen herzustellen, manchmal auch verstreute Bruchstücke aus Muranoglas. ^[4] Anschließend wurde Fontana von Michel Tapié eingeladen, die Werke in der Martha Jackson Gallery in New York auszustellen. Als Folge seines ersten Besuchs in New York im Jahr 1961 schuf er eine Reihe von Metallarbeiten, die zwischen 1961 und 1965 entstanden waren. ^[17] Die Arbeiten bestanden aus großen Platten aus glänzendem und zerkratztem Kupfer, durchbohrt und ausgehöhlt, durchdrungen vertikale Gesten, die an die Kraft des New Yorker Baus und an Metall und Glas der Gebäude erinnern. ^[4]

Zu den letzten Arbeiten von Fontana gehört eine Reihe von Teatrini ("kleine Theater"), in denen er zu einem Theaterstück zurückkehrte im Wesentlichen flache Ausdrucksweise durch Verwendung von in Flügeln eingeschlossenen Rückentüchern, die einem Rahmen ähneln; der Bezug zum Theater betont den Akt des Schauens, während im Vordergrund eine Reihe unregelmäßiger Kugeln oder oszillierender, welliger Silhouetten ein lebhaftes Schattenspiel erzeugt. ^[9] Ein anderes Werk aus dieser Zeit, Trinità (Trinity) ( 1966), besteht aus drei großen weißen Leinwänden, die von Lochreihen durchzogen sind und in einer Theaterkulisse aus ultramarinfarbenen Kunststofffolien angeordnet sind, deren Flügel vage ähneln. ^[7]

In den letzten Jahren seiner Karriere interessierte sich Fontana zunehmend für die Inszenierung seiner Arbeit in den vielen Ausstellungen, die ihn weltweit ehrten, sowie in der Idee der Reinheit, die er auf seinen letzten weißen Leinwänden erzielt hatte. Diese Bedenken waren auf der Biennale in Venedig 1966 von großer Bedeutung, für die er die Umgebung für seine Arbeit entwarf. ^[13] Auf der Documenta IV in Kassel im Jahr 1968 positionierte er einen großen Gipsschnitt als Zentrum eines völlig weißen Labyrinths, einschließlich Decke und Decke floor ( Ambiente spaziale bianco ). ^[18][19]

Kurz vor seinem Tod war er bei der Demonstration "Destruction Art, Destroy to Create" im Finch College Museum in New York anwesend. Dann verließ er seine Heimat in Mailand und ging nach Comabbio (in der Provinz Varese, Italien), der Mutterstadt seiner Familie, in der er 1968 starb.

Fontana schuf zahlreiche grafische Arbeiten mit abstrakten Motiven sowie in der Kunstwelt wenig bekannten Figuren, als er gleichzeitig seine abstrakten perforierten Werke produzierte. ^[20] Er war auch der Bildhauer der Büste von Ovidio Lagos, Gründer der Zeitung La Capital aus Carrara-Marmor.

Ausstellungen [ edit ]

Fontana hatte 1931 seine ersten Einzelausstellungen in der Galleria del Milione, Mailand. ^[21] 1961 organisierte Michel Tapié seine erste Show in den USA , eine Ausstellung der Venedig-Serie, in der Martha Jackson Gallery, New York. Seine erste Einzelausstellung in einem amerikanischen Museum fand 1966 im Walker Art Center in Minneapolis statt. ^[22] Er nahm an der Bienal de São Paulo und an zahlreichen Ausstellungen auf der ganzen Welt teil. Wichtige Rückblicke wurden unter anderem von der Peggy Guggenheim Collection, Venedig (2006), der Hayward Gallery, London (1999), der Fondazione Lucio Fontana (1999) und dem Centre Georges Pompidou (1987; Reise nach La Fundación 'la Caixa') organisiert. Barcelona, ​​Stedelijk Museum, Amsterdam, Whitechapel Gallery, London. ^[7] Seit 1930 waren Fontanas Werke regelmäßig auf der Biennale in Venedig ausgestellt worden, und er vertrat mehrere Male Argentinien; Bei der Biennale in Venedig von 1966 wurde er mit dem Großen Preis für Malerei ausgezeichnet. 2014 widmet das Musée d'Art Moderne de Ville de Paris dem Künstler eine Retrospektive. Tornabuoni Kunst veranstaltete eine parallele Ausstellung in der Avenue Matignon Paris Galerie. ^[23]

Sammlungen [ edit ]

Fontanas Werke befinden sich in den permanenten Sammlungen von mehr als hundert Museen in der Umgebung Welt. Beispiele aus der Serie Pietre sind im Stedelijk Museum in Amsterdam, dem Centre Pompidou, Paris, dem Museum für moderne Kunst in New York, der Galleria Nazionale d'Arte Moderna in Rom und dem Museum untergebracht Zeitgenössische Kunst Villa Croce in Genua und das van Abbemuseum, Eindhoven. ^[24] Fontanas Schmuck ist Teil der Dauerausstellung des Museum of Fine Arts, Boston. ^[25]

Kunstmarkt [ edit ]

Der italienische Gelehrte Enrico Crispolti veröffentlichte 2006 einen zweibändigen Werkverzeichnis von Fontanas Gemälden, Skulpturen und Umgebungen. 2013 veröffentlichten Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini und Silvia Ardemagni ein dreigliedriges Werkverzeichnis von Fontanas Arbeiten auf Papier , darunter mehr als 5.500 Werke in chronologischer Reihenfolge. ^[26]

Eine seltene, große purpurrote Arbeit mit einem einzigen Schrägstrich, die Fontana seiner Frau gewidmet hat und die immer als bekannt war. Teres ita holte im Jahr 2008 £ 6,7 Millionen ($ 11,6 Millionen) aus Christie's London, dann einen Auktionsrekord für den Künstler ^[27] Fontana Concetto Spaziale, Attese (1965) aus der Sammlung von Anna -Stina Malmborg Hoglund und Gunnar Hoglund stellten 2015 bei Sotheby's London einen neuen Rekord für ein Schrägstrich-Gemälde von £ 8,4 Millionen. ^[28] Noch beliebter sind die ovalen Leinwände von Fontana. Sotheby's verkaufte 2008 ein Werk mit dem Titel Concetto spaziale, la fine di dio (1963) für 10,32 Millionen Pfund. ^[29] Teil des venezianischen Kreises von Fontana, Festival am Grand Canal wurde verkauft bei Christie's in New York für 7 Millionen US-Dollar im Jahr 2008.

Siehe auch [ edit ]

1. ^ Chilvers, Ian. Das Oxford Dictionary of Art . Oxford University Press, 10 / giu / 2004. p. 259. Web. 21. Juni 2012.
2. ^ Sarah Whitfield, Lucio Fontana University of California Press, 2000, S. 249. 68. ISBN 0-520-22622-4
3. ^ Richard Kostelanetz, H. R. Brittain, Ein Wörterbuch der Avantgarden Routledge, 2001, p. 216. ISBN 0-415-93764-7
4. ^ ^{a b c d} Pressemitteilung: LUCIO FONTANA: VENEDIG / NEW YORK ERÖFFNET IM GUGGENHEIM MUSEUM Archiviert am 06. April 2012 im Wayback Machine Guggenheim Museum in New York.
5. ^
6. ^
7. ^ Whitfield, Sarah (2000). Lucio Fontana . University of California Press. p. 172. ISBN 0-520-22622-4.
8. ^ Lucio Fontana MoMA Collection.
9. ^ ^{a b} . ^c Lucio Fontana: Ambienti Spaziali, 3. Mai - 30. Juni 2012, Gagosian Gallery, New York.
10. Sharon Hecker. "Diener zweier Meister: Lucio Fontanas Skulpturen von 1948 im Mailänder Kino Arlecchino". Oxford Art Journal 35: 3 (Dezember 2012): 337-361.
11. ^ ^{a b} Renato Barilli, Lucio Fontana MoMA Collection, New York.
12. ^ Lucio Fontana Acquavella Galleries, New York.
13. ^ "Archivierte Kopie". Archiviert vom Original am 25.07.2011 . Abgerufen 2010-01-30 . CS1 Wartung: Archivierte Kopie als Titel (Link)
14. ^ Rekonstruktion: "Archivierte Kopie". Archiviert vom Original am 07.07.2012 . Abgerufen 2010-01-30 . CS1-Pflege: Archivierte Kopie als Titel (Link)
15. ^ ^{a b Lucio Fontana, Concetto spaziale, Attese (1959) Sammlung Guggenheim}
16. ^ Lucio Fontana Axel Vervoordt-Galerie, Antwerpen
17. Lucio Fontana, Natura Natura ] (1959-60) Tate Collection.
18. ^ Francesca Pasini über Lucio Fontana. Archiviert am 2011-12-20 in der Wayback Machine TATE ETC., Ausgabe 14, Herbst 2008.
19. Grace Glueck (13. Oktober 2006), Ehrung zweier Städte mit Schrägstrichen, Piercings und Punktionen New York Times .
20. ^ Lucio Fontana, Concetto spaziale, Attese (1966) Christie's London, Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst Abendauktion, 28. Juni 2011.
21. ^ Raum erklären: Mark Rothko, Barnett Newman, Lucio Fontana, Yves Klein, 30. September 2007 - 6. Januar 2008 Moderne Kunst Museum von Fort Worth.
22. ^ Lucio Fontana, 8. April 2004 - 27. Juni 2004, Archiviert am 20. April 2012, im Wayback Machine Museum Franz Gertsch, Burgdorf.
23. Lucio Fontana Gagosian Gallery Gagosian Gallery.
24. ^ Lucio Fontana, Concetto Spaziale - Attesa (Raumkonzept - Erwartung) (1964-1965) Walker Art Center.
25. ^ 19659050] Lucio Fontana gefunden, März 2010 The Art Market Monitor.
26. ^ Lucio Fontana, Concetto spaziale (1953) Christie's London, The Italian Sale, 14. Oktober 2011, London.
27. ^ Lucio Fontana, EIN SILBER- UND LACQUER-ARMBAND (1969) Christies bedeutende dekorative Kunst und Design des 20. Jahrhunderts, 13. Juni 2008, New York.
28. Gareth Harris (14. November, 2013), Katalog von Lucio Fontanas Zeichnungen in den Werken Archiviert am 17.11.2013 in der Wayback Machine Die Kunstzeitung .
29. ^ [19659050] Das Purpur und das Weiße - Lucio Fontana und die Klinge, die ihn in den Weltraum brachte The Economist 18. Oktober 2008.
30. ^ Anny Shaw, (12. Februar 2015), London zweite Woche der Auktionen ist stark, aber mehr Nachkriegszeit als zeitgenössisch Archiviert 2015-02-16 an der Wayback Machine The Art Newspaper .
31. ^ Guy Dinmore (1. Oktober 2009), Pariser Ausstellung testet Stärke des Kunstmarktes Financial Times .

Referenzen [ edit

Externe Links [ bearbeiten ]